Instrumentalhits fra 70-tallet var en merkelig og mangfoldig gjeng: etter hvert som det musikalske klimaet begynte å utvide seg på 1970-tallet, ble rock og R&B begynte å splitte seg igjen, elektronisk musikk begynte å komme inn i Amerikas stuer, og funk ble dristigere og mer eksperimentell. Som med tiårets "ekte" sanger, reflekterte de beste instrumentalrock-hitene fra 70-tallet disse endringene perfekt. Her er de banebrytende instrumentalrock-hitene fra syttitallet, sanger som definerte Philly sjel, funk, jazz, rock og mer!
Kall det trommesoloen som ikke var det. Rocketrommespotlights, som rocken selv, hadde utvidet seg til latterlige lengder på begynnelsen av 70-tallet - den lengste av dem, som Led Zeppelin's «Moby Dick» og Creams «Toad» kunne bli opptil en halvtime lang på scenen. Men gitarlegenden Edgar Winter, som Allman Brothers, var heldig nok å ha to trommesett, og derfor så han for seg en låt kalt «The Double Drum Solo», bygget som vanlig rundt et voldsomt introriff. Problemet var at da gruppen var ferdig med å skrive og spille inn nye stykker for å legge til sangen, var den soloen nesten en ettertanke, bare en bånd omgitt av dusinvis av andre hengende fra taket -- gruppen hadde bestemt seg for å ta opp hver bit separat og deretter spleise dem sammen. Resultatet så for ett medlem ut som en gal vitenskapsmanns laboratorium; derav "Frankenstein." Og ja, trommetreningen er begravet der et sted, blant moderne synthesizere, monstergitarer og til og med Winters egne flersporede saksofoner.
Dette sviende lille nummeret, på den annen side, ble designet som et utstillingsvindu for Coffeys ferdigheter på øksen - gruppen hans ble kåret til Detroit Guitar Band -- men legenden ble snart forbigått av det perfekte perkusjonssammenbruddet, studert (og samplet) i årevis av de som lette etter nøkkelen til det perfekte spor. (Du har sikkert hørt det berømte sammenbruddet en rekke steder, spesielt Young MCs 80-tallshit "Bust a Move.") Coffeys band har kremen av Motown sin legendariske Funk Brothers, så det er ikke overraskende at grooven er det som varte, men selv om han sitter ute for det meste av denne jammen er Coffeys navn fortsatt knyttet til den, fortsatt en passende skjebne siden han hadde spilt de berømte riffene på sanger som spinnerne «It's a Shame» og Freda Paynes «Band of Gold» uten å bli gjenkjent. For ikke å nevne wah-wah-kyllingen av undergangen på Temptations' «Cloud Nine» og «Ball of Confusion».
En annen hit instrumental som gjør stjerner ut av anonyme sesjonsmusikere, "TSOP" markerte uten tvil Philly Souls siste mutasjon til disco, hjulpet og støttet av Sigma Sound Studios' houseband og backing vokal fra Philadelphia International plateselskapets hjemmehørende kvinnelige trio, The Three Degrees of "When Will I See You Again"-berømmelse, og går inn på det mest dramatiske mulige øyeblikket med sangens dødelig seriøse misjonserklæring: "La oss få det videre. Det er på tide å gå ned." Den spesielle albumsiden lange versjonen av denne klassikeren bidro til å sette "12-tommers singelen" på kartet som en stift i dansemusikken. Når det gjelder hva MFSB står for, la oss bare si at det ikke er lyden av Philadelphia.
Kanskje har ingen lydsporsang noen gang vært så nært assosiert med sin overordnede film som denne, staccato-åpningspianofugen til som den dag i dag umiddelbart kan fremmane bilder av en demonisk besatt liten jente som returnerer ertesuppen sin til en ulykkelig prest. Men ta bort den imponerende store arven etter Eksorsisten, hvis du kan, og du sitter faktisk igjen med en todelt albumlengde magnum opus som er mer reflekterende enn noe annet, en progfest prydet med noen behendige humørskifter og snøret med litt tørt Britisk vidd. Den 19 år gamle Oldfield satte Richard Bransons nye Virgin-etikett på kartet da han bestemte seg for å ta sjansen på det; sjansen er stor for at du kjenner noen som kan spille åpningstemaet på fester... det vil si inntil forstyrrede venner ber dem slutte.
Langt fra gjennomsnittet var disse skottene usannsynlige funknaturaler, og leverte, med dette nummer én smash, det perfekte samspillet mellom en snaky blues gitar lick og noen punchy Tower of Power-type horn, forankret av de karakteristiske niende akkordene som er en stift i sjanger. Legg til den velsmakende saxofonsoloen, en klokkeslett backbeat og nok treblokk på sammenbruddet til å få Chris Walken til å avvise kubjellen, og du ser hvorfor den var på vei rett til toppen -- og fortsatt regnes så høyt blant ikke-gjennomsnittlige svarte grupper at den blir samplet av mange hiphop kunstnere. Til og med James Browns den gamle støttegruppen, JBs, så det passende å pryde den med en hyllest.
Som kongen av frodig romantisk sjel, Barry Whites doble forkjærligheter for feiende orkesterstrenger og sexy dansbare beats bidro til å definere lyden av tiåret på både pop- og r&b-lister. Men det var en sang uten hans varemerke, halsende knurring som gjorde mest kommersiell inntrykk – et velkomment tilbakeblikk til tiden med storbandballader som også var perfekt for funky ballroomdans. Med andre ord disco før John Travolta kom til det. Selv om det siden har blitt forsøkt i forskjellige vokalversjoner, er det noe med originalens gåtefulle natur som holder den immun mot tolkning. Det er absolutt den eneste R&B Topp ti-hiten som er omtalt som temamusikk for et stort nettverks golfdekning (ABC).
Preston hadde selvfølgelig allerede gjort sitt navn som sesjonsmusiker, jobbet som den femte Beatle på prosjektet og beviste også at han kunne holde seg som headliner med hits som "Nothing From Nothing" og "Will It Go 'Round in Circles." Men han hadde også to enorme instrumentalhits på samme tid, som du dessverre ikke hører så mye lenger - "Outa Space", en off-the-cuff jam hvilken beviste at han mestrer det funky clavichord, og dette nummeret, en langsommere og på en eller annen måte enda funkere demonstrasjon av hans mestring på den effektladede ARP Pro-Soloist-synthen (ikke Moog, som ofte er tenkte). Så vellykket var denne sangen i sin tid at Billy ble en ARP-talsmann, omtalt i annonser for den aktuelle enheten.
ABC Records
Kanskje ingen annen låt er et bedre bilde av hele blomstringen av 70-tallets "action-funk" enn dette, kjenningsmelodien til en lenge glemt ABC-serie som selv brøt bakken i sin skildring av urban krigføring. Leksjonene fra Isaac Hayes' episke semi-instrumentale "Shaft" er fullstendig absorbert her -- kyllingen scratch wah-wahs, de feiende strengene, staccato horn-og-fløyte-kombinasjonen som slår alarm over fremdriftsmotoren til Hei hatt. Så dramatisk og så øyeblikkelig datert at Beastie Boys brukte det til å åpne deres beryktede Lisensiert til Ill turné, den har også blitt samplet av flere andre DJ-er som lengter etter en litt afroed attitude. Låtskriveren Barry DeVorzon infiserte den nasjonale bevisstheten igjen like etter med «Nadia's Theme», som du kanskje kjenner bedre som tema fra «The Young and the Restless».
Moog-synthesizeren, derimot, hadde vært spennende albumkjøpere siden slutten av sekstitallet, da Wendy Carlos' Påslått Bach album slo en retrofuturistisk tone i hjertet av moderne forstadshuler. Gershon Kingsley, som hadde eksperimentert med programmerbar exotica siden midten av tiåret, hadde en mindre hit fra 1969 med dette nyhetsnummeret, gjenskapt av et av bandmedlemmene hans i 1974 med et mer rocka arrangement og noe faktisk trommer. Mer av en rocka kaffekanne enn noe som ligner moderne EDM, den tok lyden av den spirende hekte bevegelsen og fikk den til å poppe. Bokstavelig.
Sammen med andre, lignende voksen-samtidsklassikere som George Bensons "Breezin'" og Herb Alperts «Rise», dette var en banebrytende smash i den spirende lite-jazz-bevegelsen, og ga den fremhevede spilleren en Grammy-nominasjon. Mangione, faktisk en flygelhorn-spiller som allerede hadde finpusset kotelettene sine med Art Blakeys Jazz Messengers, hadde opprinnelig til hensikt en ti-minutters opus med flere seksjoner, men tungt redigert singelversjon fokuserte klokt på lite-funk-passasjene, og resultatet ble en uunngåelig hit som skapte en allianse mellom jazz og voksen samtid som fortsatt eksisterer i dag.
