За обикновения наблюдател светът на изкуствата може да изглежда недостъпно.
Когато гледате картина, гледате балет или слушате класически концерт, широката публика и ентусиастите на изкуствата ще имат емоционален отговор, но може да не разберат как са били тези произведения създадена.
Много хора вярват, че талантът, късметът и гениалността са отговорни за създаването на високото изкуство. Въпреки че те определено играят роля, те не са цялата история. Въпреки че може да остане незабелязано от по-малко тренирани очи, всички изкуства са подкрепени от обща основа: принципи на проектиране, които варират в зависимост от дисциплината.
Танцьорите се научават да изпълняват в такт със своите колеги изпълнители, така че да се движат като едно цяло. Художници и други визуални артисти научете се да манипулирате елементи на перспектива, композицията и използването на светлина или сянка.
Учат класически музиканти правила на хармония и музикална форма; те се научават как да постигнат добра интонация и да движат телата си по начини, които произвеждат желания звук.
Солидно разбиране на основните принципи на дизайна на вашия занаят е от съществено значение, за да се превърнете в изтънчен, зрял художник. Музиката на Бах и Бетовен не биха съществували без пълното им овладяване на правилата на хармонията; Моне и Вермеер нямаше да бъдат отпразнувани, ако не беше техният пълен контрол върху перспективата и използването на светлина в техните картини.
Във всеки художествена дисциплина, познанието и уважението към основните принципи на даден предмет се внушават от най-ранните нива и непрекъснато се използват като основа за изграждане на по-напреднали нива на овладяване.
Както студентите, така и професионалистите използват тези установени основни философии да информират работата си ежедневно, дори на най-високите етапи от кариерата си.
В различните форми на изкуството повечето от тези принципи се отнасят до техническите аспекти на това как трябва да изпълните a конкретно движение или щрих, или къде да поставите конкретен обект или нота, а не към естетиката концепции.
По този начин е лесно да ги разглеждате по твърд начин, а не като поддържаща рамка. И все пак, докато напредвате в занаята си, виждате, че всеки художник има своя собствена интерпретация на принципите; това е, което позволява на всяко произведение на изкуството и всеки художник да бъде различен от друг.
Овладевайки техническите проблеми и непрекъснато усъвършенствайки техниката си, ще се научите да манипулирате правила по ваш собствен начин и това ще придаде смисъл, отличителност и личен израз на вашето работа. Бах, Бетовен и всички велики майстори усъвършенстваха и след това изкривиха правилата; така ще станете и уникален, запомнящ се артист.
Визуални изкуства като рисуването може да бъде особено трудно, тъй като трябва да представлявате триизмерни елементи върху двуизмерна повърхност. Но спазването на определени принципи, дори и като начинаещ, ще помогне на вашето изкуство да бъде убедително и изразително с по-малко разочарование и усилия. Нека да разгледаме някои от основните дизайнерски техники които са от съществено значение за всеки, който рисува.
Състав
Състав е оформлението на всички елементи във вашия чертеж. Форма, линия, цвят, тон и пространство са част от това.
Преди да започнете да рисувате, най-добре е да направите предварителни скици и да планирате какво искате да нарисувате. След като направите това, първото нещо, за което ще трябва да помислите за вашата рисунка, е формата. От самото начало трябва да установите общата голяма форма (контури) за целия си чертеж.
Трябва да започнете да работите върху по-малките форми на отделни обекти едва след като сте доволни, че сте предали контура, който искате. Опитът първо да нарисувате по-малките форми просто ще доведе до разочарование; работата ви няма да бъде определена и няма да бъде толкова убедителна, колкото би могла да бъде. С други думи, игнорирайте детайлите, докато не разберете основите правилно!
линия е начинът, по който водите зрителя през вашата картина.Хоризонтални линии, като тези в пейзажните рисунки, обикновено предават усещане за мир; диагоналните линии могат да добавят напрежение. Като цяло кривите придават много по-естествено, приятно усещане от правите линии; те също така дават на вашето парче добро усещане за движение, така че изглежда по-реалистично.
Цветът, разбира се, се занимава с това какви цветове използвате в палитрата си. Става въпрос и за интензивността - трябва да направите избор как наситен (ярки) или фини, които искате да бъдат цветовете и дали искате да ги използвате, за да изразите идеята за светло или тъмно.
Тонът, наричан още засенчване или „стойност“, е пряко свързан с цвета. Можете да използвате засенчване, за да създадете сенки в работата си (като сенки, създадени от слънцето в пейзаж, например). Това ще позволи на работата ви да изглежда триизмерна и ще даде на зрителя усещане за дълбочина.
За да работи вашето изкуство, трябва да помислите и за използването на пространството.
Помислете колко пространство искате между елементите във вашия чертеж (известен като отрицателно пространство) и колко място искате да запълнят обектите във вашия чертеж (положително пространство). Това ще варира в зависимост от това какъв вид рисунка правите.
В западното изкуство негативното пространство често е запълнено с цвят или дори засенчване, но някои Азиатско изкуство оставя празното, бяло пространство на самата хартия около централния обект; това също може да бъде много ефективно.
Едно нещо, което трябва да запомните, не поставяйте еднакво отрицателно пространство между всеки елемент във вашето парче – за да запазите нещата интересни, важно е да променяте формата и размера на отрицателното пространство.
Баланс и Единство
Баланс и единство се считат за отличителни белези на "добър" конвенционално изкуство. Има някои златни правила, всички изпитани от великите художници, които можете да използвате, за да намерите баланс в собствените си парчета.
Но първо, някои общи съвети, които ще ви помогнат да улесните спазването на златните правила. Важно е във вашата рисунка да има основна област на интерес и фокус, така че зрителят да знае какво да гледа и да не се разсейва от твърде много малки елементи.
Поставете най-изявения си обект леко извън центъра в работата си, за да осигурите приятен поток за зрителя, и се уверете, че е обърнат към чертежа, а не извън снимката ви.
Уверете се, че не разрязвате картината си директно наполовина, вертикално или хоризонтално, тъй като това може да изглежда по-малко реалистично. Ако използвате линия на хоризонта в работата си, уверете се, че тя не е в центъра на картината - място то е високо или ниско, така че да показва повече „небе“ или повече „земя“, в зависимост от това какво сте чертеж.
И сега, златни правила.Първото златно правило е правило на третините, и всъщност е свързано със самата златна среда. Златната среда, или златното съотношение, ръководи класическите художници от векове. В него се посочва, че елементите на произведение на изкуството трябва да бъдат поставени така, че всеки елемент да е в пропорция от 1 до 1,618 (около 3 до 5) по отношение на всеки друг елемент. Правилото на третините е опростена версия на златна среда.
за да го следвам, разделете чертежа си на мрежа от 3 колони и редове, всички равни по размер. Поставете основния си обект и по-малките области на интерес близо до една от линиите на вашата мрежа и ако можете, стремете се да ги поставите в пресечната точка на редовете и колоните на мрежата. Това лесно ще създаде идеален баланс във вашата рисунка, тъй като ви принуждава да избягвате поставянето на важни елементи в области, които визуално биха намалили парчето наполовина, спирайки очите на зрителя.
Подобно на правилото на третините, правило на шансовете също се основава на нечетни числа. За да постигнете реалистична рисунка, трябва да имате нечетен брой обекти във вашето парче, като 1 или 3, а не четно число. Ако имате само една основна фокусна точка, поставете четен брой елементи около него; по този начин ще се окажете с нечетен брой елементи в работата си, което като цяло е по-приятно за окото. Както при предишното правило, правилото на третините ви помага да избегнете отрязването на работата си директно в центъра.
За да унифицирате работата си, повторението на някои елементи е от ключово значение. Например, можете да изберете символ или мотив и да го повторите в определени области на вашата рисунка, може би в различен цвят или в по-малък размер. Това създава модел във вашето парче и му помага да има смисъл за зрителя. Важно е обаче да не прекалявате с това, тъй като искате да имате разнообразие и в работата си.
Перспектива
Развиващата се перспектива е а фундаментални умения в изкуството, и това придава на работата ви усещане за дълбочина и дистанция. При рисуване перспективата има предвид, че обектите стават по-малки, докато се приближават към фона на изображението, докато по-големите обекти са на преден план (отпред) на изображението.
Линейни и въздушна перспектива и двете са важни за художниците. Линейна перспектива може да се раздели на перспектива с 1, 2 или 3 точки. Перспективата с 1 точка е най-простото място за начало. За да го използвате, ви трябва само изглед и фиксирана точка.
Ако рисувате църква, изгледът ви ще бъде това, което виждате пред себе си с изправена глава, а фиксираната точка може да бъде каквото изберете, като статуя пред вас. Ще насочите погледа на зрителя към статуята чрез използване на две неща: изчезваща точка, и линия на хоризонта. Точката на изчезване може да бъде всяка точка от разстоянието, върху която очите ви се спират естествено в църква, може да е точка от далечна стена.
Вашата изчезваща точка е включена в линията на хоризонта ви, която е дълга, плоска хоризонтална линия на небето (или земята, когато сте на закрито), която ще се простира отляво и отдясно на чертежа ви и дори извън вашата картина. Перспективата е доста сложен инструмент и приема много различни форми, но това са основите за установяване на перспектива от една точка, която придава измерение и естествен вид на вашата работа.
Основните елементи на рисуване на композиция, баланс, единство и перспектива се намират във всички форми на изкуството. Въпреки че танцьорите и музикантите ще имат различни дефиниции и подходи към тези елементи от визуалните художници, те формират общо ядро между всички художествени дисциплини.
Каквато и да е вашата област, спазването на тези основни принципи ще гарантира, че работата ви е професионална, а не любителски, и че вашите парчета изразяват вашата личност и ясно предават вашето послание към вас публика.
