Bedste instrumentale rockhits fra 70'erne

Kald det trommesoloen, der ikke var. Rocktrommespotlights, ligesom rocken selv, havde udvidet sig til latterlige længder i begyndelsen af ​​70'erne - den længste af dem, som f.eks. Led Zeppelin's "Moby Dick" og Creams "Toad" kunne løbe op til en halv time lang på scenen. Men guitarlegenden Edgar Winter var ligesom Allman Brothers så heldig at have to trommesæt, og så forestillede han sig en melodi kaldet "The Double Drum Solo", bygget som sædvanligt omkring et voldsomt intro-riff. Problemet var, at da gruppen var færdig med at skrive og indspille nye stykker for at tilføje til sangen, var den solo næsten en eftertanke, bare en stykke bånd omgivet af snesevis af andre hængende fra loftet -- gruppen havde besluttet at optage hver bit separat og derefter splejse dem sammen. Resultatet lignede for et medlem en gal videnskabsmands laboratorium; derfor "Frankenstein." Og ja, trommetræningen er begravet derinde et eller andet sted, blandt de moderne synthesizere, monsterguitarer og endda Winters egne flersporede saxofoner.

Dette brændende lille nummer var på den anden side designet som et udstillingsvindue for Coffeys evner på øksen - hans gruppe blev navngivet Detroit Guitar Band -- men dens legende blev hurtigt overhalet af det perfekte percussion-nedbrud, studeret (og samplet) i årevis af dem, der ledte efter nøglen til det perfekte rille. (Du har sikkert hørt det berømte sammenbrud en række steder, især Young MC's 80'er-hit "Bust a Move"). Coffeys band byder på cremen af Motowns legendariske Funk Brothers, så det er ikke overraskende, at rillen er det, der varede, men selvom han sidder ude i de fleste af denne jam er Coffeys navn stadig knyttet til den, stadig en passende skæbne, da han havde spillet de berømte riffs på sange synes godt om spindernes "It's a Shame" og Freda Paynes "Band of Gold" uden at blive genkendt. For ikke at nævne den wah-wah kyllinge-ridse af undergang på Temptations' "Cloud Nine" og "Ball of Confusion".

Endnu en instrumentalhit, der gjorde stjerner ud af anonyme sessionsmusikere, "TSOP" prægede uden tvivl Philly Souls sidste mutation til disco, hjulpet og støttet af Sigma Sound Studios' houseband og backing vokal fra Philadelphia International labels hjemmehørende kvindelige trio, The Three Degrees of "When Will I See You Again" berømmelse, der går ind på det mest dramatiske mulige tidspunkt med sangens dødsens alvorlige mission statement: "Let's get it on. Det er tid til at komme ned." Den specielle album-side-lange version af denne klassiker hjalp med at sætte "12-tommer singlen" på kortet som en fast bestanddel af dansemusik. Med hensyn til hvad MFSB står for, lad os bare sige, at det ikke er lyden af ​​Philadelphia.

Måske har ingen soundtrack-sang nogensinde været så tæt forbundet med sin moderfilm som denne, staccato-åbningen af ​​klaverfugaen som den dag i dag øjeblikkeligt kan fremmane billeder af en dæmonisk besat lille pige, der returnerer sin ærtesuppe til en ulykkelig præst. Men tag den imponerende store arv fra Djævleuddriveren, hvis du kan, og du står faktisk tilbage med en todelt albumlængde magnum opus, der er mere reflekterende end noget andet, en progfest prydet med nogle behændige humørskift og snøret med lidt tørt britisk vid. Den 19-årige Oldfield satte Richard Bransons nye Virgin-label på kortet, da han besluttede at tage en chance på det; chancerne er du kender nogen, der kan spille åbningstemaet til fester... det vil sige, indtil forstyrrede venner beder dem om at stoppe.

Langt fra gennemsnittet var disse skotter usandsynlige funknaturaler, og de leverede med dette nummer et smash det perfekte samspil mellem en snaky blues guitar lick og nogle punchy Tower of Power-type horn, forankret af de karakteristiske niende akkorder, der er en fast bestanddel af genre. Tilføj den velsmagende saxofonsolo, et urtæt backbeat og nok træklods på sammenbruddet til at få Chris Walken til at afvise koklokken, og du ser hvorfor det var på vej direkte til toppen -- og stadig betragtes så højt blandt ikke-gennemsnitlige sorte grupper, at det bliver samplet af mange hiphop kunstnere. Også selvom James Browns gamle backing-gruppe, JB'erne, fandt det passende at pryde den med en hyldest.

Som kongen af ​​den frodige romantiske sjæl, Barry Whites dobbelte forkærligheder for fejende orkesterstrenge og sexede dansbare beats var med til at definere årtiets lyd på både pop- og r&b-hitlister. Men det var en sang uden hans varemærke, halsende knurren, der gjorde det mest kommercielle indtryk – et velkomment tilbageblik til tiden med bigband-ballader, der også var perfekt til funky balsaldans. Med andre ord, diskotek før John Travolta nåede det. Selvom det siden er blevet forsøgt i forskellige vokalversioner, er der noget ved originalens gådefulde karakter, der holder den immun over for fortolkning. Det er helt sikkert det eneste R&B Top Ten-hit, der bliver præsenteret som temamusik for et større netværks golfdækning (ABC).

Preston havde selvfølgelig allerede slået sit navn fast som sessionsmusiker, der arbejdede som Fifth Beatle på projektet og beviste også, at han kunne holde sig selv som headliner med hits som "Nothing". From Nothing" og "Will It Go 'Round in Circles." Men han havde også to store instrumentale hits på samme tid, som man desværre ikke hører så meget mere - "Outa Space", en off-the-manchet jam hvilken beviste sin beherskelse af den funky clavichord, og dette nummer, en langsommere og på en eller anden måde endnu funkigere demonstration af hans beherskelse på den effektfyldte ARP Pro-Soloist synth (ikke Moog, som det ofte er tilfældet) tanke). Så vellykket var denne sang i sin tid, at Billy blev en ARP-talsmand, med i annoncer for den pågældende enhed.

Måske er der intet andet nummer, der bedre indbefatter den fulde blomstring af 70'ernes "action-funk" end dette, temasangen til en for længst glemt ABC-serie, der selv brød vej i sin skildring af urban krigsførelse. Lektionerne fra Isaac Hayes' episke semi-instrumentale "Shaft" er fuldt absorberet her -- kyllingens scratch wah-wahs, de fejende strenge, staccato-horn-og-fløjte-kombinationen, der slår alarm over fremdriftsmotoren på hi-hat. Så dramatisk og så øjeblikkeligt dateret, at Beastie Boys brugte det til at åbne deres berygtede Licenseret til Ill tour, den er også blevet samplet af flere andre DJs, der længes efter en lidt afroed attitude. Sangskriveren Barry DeVorzon inficerede den nationale bevidsthed igen kort efter med "Nadia's Theme", som du måske bedre kender som temaet fra "The Young and the Restless".

Moog-synthesizeren havde på den anden side været spændende albumkøbere siden slutningen af ​​tresserne, hvor Wendy Carlos' Tændt Bach albums slog en retrofuturistisk tone i hjertet af moderne forstadshuler. Gershon Kingsley, der havde eksperimenteret med programmerbar exotica siden midten af ​​årtiet, havde et mindre hit fra 1969 med dette nyhedsnummer, genskabt af et af hans bandmedlemmer i 1974 med et mere rocket arrangement og noget faktisk trommer. Mere af en gyngende kaffekande end noget, der ligner moderne EDM, den tog lyden af ​​den spirende påhængte bevægelse og fik den til at poppe. Bogstaveligt talt.

Sammen med andre lignende voksen-nutidige klassikere som George Bensons "Breezin'" og Herb Alpert's "Rise," dette var et banebrydende smash i den spirende lite-jazz-bevægelse, der gav dens fremhævede spiller en Grammy-nominering. Mangione, faktisk en flygelhorn-spiller, der allerede havde finpudset sine koteletter med Art Blakeys Jazz Messengers, havde oprindelig til hensigt en ti minutters opus med flere sektioner, men tungt redigeret singleversion fokuserede klogt på lite-funk-passagerne, og resultatet var et uundgåeligt hit, der smedede en alliance mellem jazz og voksen samtid, som stadig eksisterer i dag.