Disco-Songs und Musik begannen Mitte des Jahrzehnts als urbanes Phänomen, starben dann aus (danke zum Film "Saturday Night Fever" explodierte plötzlich in einem exponentiell populäreren Vorort Phänomen. Infolgedessen hat das Genre zwei Geschichten – eine als Dance-Club-Stil, der den Rand der Gesellschaft ansprach und nur gelegentlich piekste seinen Kopf in die Top 40, und eine andere als kulturelle Bewegung, die das Popradio so vollständig dominierte, dass sie ihr eigenes monumentales Rückschlag. Diese Liste der größten Disco-Platten aller Zeiten berücksichtigt beide Zielgruppen.
Mit einem Groove, der gerade kompliziert genug ist, um funky zu sein, aber einfach genug, damit jeder ihm folgen kann. Harold Melvin und die Blue Notes energiereiche, treibende Marke vonPhilly Soul war ein entscheidender Baustein für die Disco. Diese schwierige Polemik hätte es nur in den Anfängen der Disco auf die Tanzfläche schaffen können – bevor sie zu einer Wochenendablenkung für die Vorstadtbewohner und die schönen Leute im Studio 54 wurde. Aber auch das dunklere Thema ist eine große Quelle seiner Anziehungskraft: die Wut nach dem Watergate greift perfekt in den schwarzen Selbstbestimmungsgroove im Herzen des Genres ein Ursprünge. Dieser Song hat die Dance-Charts so stark beherrscht, dass es gedauert hat
Im Einklang mit den Themen des sorglosen Hedonismus des aufkommenden Stils hat dieser erweiterte Track den größten Teil des Funks und des Protests von ihrem üblichen Groove über Bord geworfen und mit der Romantik gemacht. Dieser Disco-Gigant beweist, dass Musik die "heilende Kraft der ganzen Welt" ist, mit einem üppigen Fest aus schwingenden Streichern und den majestätischen Hörnern, die zu einem festen Bestandteil des Genres werden würden. Als zusätzlichen Bonus gibt es noch ein leckeres, rockiges Gitarrensolo.
Berühmt komponiert von Nile Rodgers und Bernard Edwards, nachdem ihnen der Zutritt zum Studio 54 verweigert wurde, obwohl sie fast reich waren und berühmt, dieses Lied machte das Duo schließlich beide. Es führte auch einen funkigeren, schlankeren Disco-Stil ein, der auf den schwereren Perkussionseffekten und glatteren Gitarrenläufen basiert, die die Tanzmusik zu Beginn des nächsten Jahrzehnts definieren sollten. Als sie nach einer Brüskierung nach Hause zurückkehrten, schrieben die beiden ursprünglich einen Song namens "f*** off!" dann desinfiziert die F-Bombe zum "Freak". Schließlich kam Nile auf die einfache Idee, auszuflippen, und das Land tat es einfach das.
Es ist jetzt vergessen, aber die Bee Gees hatten ihren Marsch in Richtung Disco drei volle Jahre vor Saturday Night Fever mit "Jive Talkin'" und dieser superheißen Nummer begonnen. Tatsächlich erwies sich die Gruppe mit dem 2/4-Punch dieses Smashs als recht vorausschauend. Es half, viele der rhythmischen Regeln zu schreiben, die glatten, romantischen R&B mit seiner heißen Mischung aus Latin-Percussion, modernen Tasten und galoppierenden Hörnern in ein nationales Tanzphänomen verwandelten. Travolta übte alle seine SNF-Moves darauf.
1979 begann die Disco den Mainstream zu ermüden, der sie als Bedrohung für den Rock'n'Roll ansah. Also Disco, als Amerikaner Popmusik tut es immer, eignet sich das beleidigte Publikum nur an, indem es heulende Gitarren und einen härteren Beat hinzufügt; Dieser riesige Knaller der ewig regierenden Disco-Diva ist ein perfektes Beispiel dafür, wie es funktioniert hat. Es tat auch nicht weh, dass Summer (für die damalige Zeit) sehr deutlich über ihre hormonellen Triebe sprach, die sie, obwohl sie ein großartiger Karriereschritt war, so sehr beunruhigte, dass sie schließlich eine wiedergeborene Christin wurde. Oder vielleicht wurde es "The First Lady of Love" genannt.
Die Ritchie Family war anfangs überhaupt keine Familie oder sogar eine Gruppe, nur eine Sammlung von Studios Musiker und gelegentliche Sänger, zusammengestellt von Jacques Morali, dem späteren Erfinder des Village Personen. Zu diesem Zeitpunkt war er jedoch dabei, die alten 30er Jahre heimtückisch umzurüsten Swing-Melodien für die Tanzfläche und fügt ein oder zwei Tricks hinzu, die schamlos von den jüngsten Proto-Disco-Hits übernommen wurden. Ironischerweise verkaufte sich der Nachfolger "The Best Disco In Town", ein direktes, unmissverständliches Medley von Disco-Lieblingen, nicht ganz so gut.
Billboard listete in der Anfangszeit oft ganze Alben in ihren Dance-Charts auf, da die Unterschiede zwischen einer EP und einer 12-Zoll-Single und einem Dance-Album oft verschwommen waren. Dieses Debüt zum Beispiel enthält nur vier Songs in weniger als zwanzig Minuten, von denen die meisten die gleichen allgemeinen Beats und BPM haben, was es für die Aufnahme geeignet macht. Keine "YMCA"- oder "Macho Man"-Hits hier – Produzent Jacques Morali zielte zu diesem Zeitpunkt noch direkt auf sein schwules Publikum mit Titeln, die Fire Island, San Francisco und Hollywood riefen. Es ist auch das beste Album der Gruppe, dem der Cartoon-Charakter fehlt, der einige ihrer späteren Werke charakterisieren würde.
Obwohl viele "I Will Survive" für das Nonplusultra halten Disco-Diva bewegen, dieses Lied hat tatsächlich mehr Einheiten bewegt. Ursprünglich eine weitere Gamble/Huff-Kreation für Harold Melvin and the Blue Notes, schwingt Thelmas Gesang glorreich in die Höhe, auch wenn die Ära-definierende Basslinie hier der wahre Star sein mag. Trotz des Textes klingt sie sicherlich selbstbewusst genug, was bedeuten könnte, dass sexuelle Befreiung der wahre Grund sein könnte, warum dieses Album noch mehr Coverversionen hat als "Survive".
Die Monster-Disco-Hymne, die sie alle regiert – das gilt sowohl in der Länge (ein fast 11-minütiges Finale in der "Saturday Night" Fever" Doppelalbum) und in der Präsentation (Sousa selbst hätte sich keine majestätischere Horn/Streicher-Sektion als diese wünschen können einer). Oder vielleicht, wie einige Versionen der Mythologie haben, waren die Mixer falsch eingestellt, was zu einer Lautstärke und Präsenz führte, die von der RIAA hätte abgelehnt werden sollen, es aber nicht waren. Geschmacklos für den Verweis auf die 1974 Katastrophenfilm "Das hoch aufragende Inferno?" Vielleicht. Aber es ist schwer, dem zu widersprechen, wenn der Groove so heiß ist.
Der beliebteste schwule Künstler der klassischen Disco-Ära hinterließ mit diesem Song seinen größten Eindruck bei seinem Stammpublikum, das sich jedoch nicht aus den Tiefen der Pop-Charts erkämpfte. Egal – der glitzernde, glitzernde Synth-Arpeggio-Beat hat dazu beigetragen, die Bühne für Electrofunk und den Tanz zu bereiten Musik zu kommen, während Slys unverfrorener Diva-artiger Gesang die Bühne für jahrzehntelange schwule Männerdisco bildet Falsette. Einiges davon haben wir keinem anderen zu verdanken als Co-Produzent Harvey Fuqua. Das ist richtig, von den Moonglows.
