Hay dos estilos clásicos de pintura asociados con los viejos maestros: el sfumato y el claroscuro. Estos dos estilos son tan parecidos como el queso y la tiza. Pero muchas personas aún logran confundir estas dos técnicas, y qué artistas hicieron uso de cuál de estos estilos.
Sfumato y Leonardo da Vinci
Sfumato se refiere a la gradación sutil de tono utilizado para oscurecer los bordes afilados y crear una sinergia entre luces y sombras en una pintura. Como explica Ernst Gombrich, uno de los historiadores del arte más famosos del siglo XX, "[e] sta es la famosa obra de Leonardo invención... el contorno borroso y los colores suaves que permiten que una forma se fusione con otra y siempre deje algo a nuestro imaginación."
Leonardo da Vinci utilizó la técnica de sfumato con gran maestría. En su pintura más famosa, el Mona Lisa, esos aspectos enigmáticos de su sonrisa se han logrado precisamente con este método, y el espectador debe completar los detalles.
¿Cómo, exactamente, consiguió Leonardo el efecto de sfumato? Para la pintura en su conjunto, seleccionó una gama de tonos medios unificadores, especialmente los azules, verdes y tierra, que tenían niveles similares de saturación. Al evitar los colores más luminosos por sus brillos, que podrían romper la unidad, los tonos medios crearon un sabor tenue a la imagen.
Sfumato lleva la pintura un paso más allá. Lejos del punto focal de la imagen, los tonos medios se funden en sombras y el color se disipa en sombras monocromáticas, muy similar al efecto de una imagen fotográfica con un rango focal ajustado. Sfumato es una opción ideal cuando un retratista se siente avergonzado por las arrugas.
Claroscuro y Rembrandt
En comparación con Leonardo da Vinci, las pinturas de Caravaggio, Correggio y Rembrandt tener un enfoque de mano dura para la luz y la sombra. El foco de la pintura está iluminado, como en un foco de luz, mientras que el campo circundante es oscuro y sombrío: marrones pesados y quemados que se funden con el negro. Esto es claroscuro, literalmente "claro-oscuro", una técnica que se utilizó con gran efecto para crear contrastes dramáticos. Rembrandt era particularmente experto en esta técnica.
El efecto se creó utilizando sucesivos esmaltes de marrón transparente. Los tonos marrones del Renacimiento se hicieron generalmente a partir de pigmentos de arcilla, como siena y umber. La siena cruda es un poco más oscura que un ocre amarillo. La siena quemada tiene un tono marrón rojizo. Umber es una arcilla que es naturalmente de un marrón amarillento oscuro. El umber quemado es un marrón oscuro. Durante el Renacimiento tardío, algunos artistas del Renacimiento probaron otros marrones como el betún, que estaba basado en alquitrán, o madera de haya quemada (bistró), pero esto causó problemas en las pinturas de los viejos maestros debido a los residuos que se filtraban a través del lienzo.
Puede crear el efecto de claroscuro utilizando esmaltes de ámbar quemado (o ámbar para una pintura más cálida). Recuerde que para retocar los reflejos cerca de las áreas de sombra oscurecidas, caliente los colores. Agregue un poco de rojo a la mezcla para compensar el efecto refrescante de los tonos oscuros circundantes.
Actualizado por Lisa Marder.
Fuentes:
Collins Dictionaries, "Collins English Dictionary", séptima edición, HarperCollins Reino Unido, junio de 2015, Reino Unido
EM Gombrich, "The Story of Art", 16ª edición, Phaidon Press, abril de 1995, NY
Philip Ball, "Bright Earth: The Invention of Color", Vintage Books USA, mayo de 2008, NY
