Para el observador casual, el mundo de las artes puede parecer inaccesible.
Al mirar una pintura, ver un ballet o escuchar un concierto de música clásica, el público en general y Los entusiastas del arte tendrán una respuesta emocional, pero es posible que no comprendan cómo fueron estas obras. creado.
Mucha gente cree que el talento, la suerte y el genio son los responsables de dar vida al arte. Si bien estos definitivamente juegan un papel, no son toda la historia. Aunque puede pasar desapercibido para los ojos menos entrenados, todas las artes se sustentan en una base común: principios de diseño, que varían según la disciplina.
A los bailarines se les enseña a actuar al compás de sus compañeros, de modo que se muevan como una sola unidad. Pintores y otros artistas visuales aprender a manipular elementos de perspectiva, composición y uso de luces o sombras.
Estudio de músicos clásicos reglas de la armonía y forma musical; aprenden cómo lograr una buena entonación y mover sus cuerpos de manera que produzcan el sonido deseado.
Una sólida comprensión de los principios de diseño subyacentes de su oficio es esencial para convertirse en un artista maduro y sofisticado. La musica de Llevar una vida de soltero y Beethoven no existiría sin su total dominio de las reglas de la armonía; Monet y Vermeer no sería celebrado si no fuera por su completo control de la perspectiva y el uso de la luz en sus pinturas.
En cada disciplina artística, el conocimiento y el respeto por los principios básicos de la asignatura se inculcan desde los niveles más tempranos y se utilizan continuamente como base para la construcción de niveles de dominio más avanzados.
Tanto estudiantes como profesionales utilizan estos establecidos filosofías centrales para informar su trabajo a diario, incluso en las etapas más altas de sus carreras.
En todas las formas de arte, la mayoría de estos principios se relacionan con aspectos técnicos de cómo debe ejecutar una movimiento o pincelada particular, o dónde colocar un tema o nota en particular, en lugar de estética conceptos.
Por lo tanto, es fácil verlos de manera rígida, en lugar de como un marco de apoyo. Sin embargo, a medida que avanza en su oficio, verá que cada artista tiene su propia interpretación de los principios; esto es lo que permite que cada obra de arte y cada artista sean diferentes de los demás.
Al dominar las preocupaciones técnicas y perfeccionar continuamente su técnica, aprenderá a manipular las reglas a su manera, y esto le dará significado, distinción y expresión personal a su trabaja. Bach, Beethoven y todos los grandes maestros perfeccionaron y luego cambiaron las reglas; así es como también te convertirás en un artista único y memorable.
Artes visuales como dibujar puede ser especialmente difícil, ya que tienes que representar elementos tridimensionales en una superficie bidimensional. Pero, seguir ciertos principios, incluso como principiante, ayudará a que su arte sea convincente y expresivo con menos frustración y esfuerzo. Echemos un vistazo a algunos de los aspectos fundamentales técnicas de diseño que son imprescindibles para todo aquel que dibuja.
Composición
Composición es el diseño de todos los elementos de su dibujo. La forma, la línea, el color, el tono y el espacio son parte de esto.
Antes de comenzar a dibujar, es mejor hacer bocetos preliminares y planificar lo que desea dibujar. Una vez que haya hecho esto, lo primero en lo que deberá pensar para su dibujo es en la forma. Desde el principio, debe establecer la forma grande general (contornos) para todo su dibujo.
Solo debe comenzar a trabajar en las formas más pequeñas de los objetos individuales después de estar satisfecho de haber transmitido el contorno que desea. Tratar de dibujar primero las formas más pequeñas solo conducirá a la frustración; su trabajo carecerá de definición y no será tan convincente como podría ser. En otras palabras, ignora los detalles hasta que entiendas bien los conceptos básicos.
Línea es la forma en que guía al espectador a través de su pintura.Lineas horizontales, como los de los dibujos de paisajes, suelen transmitir una sensación de paz; las líneas diagonales pueden agregar tensión. En general, las curvas dan una sensación mucho más natural y agradable que las líneas rectas; también le dan a su pieza un buen sentido de movimiento, por lo que se ve más realista.
El color, por supuesto, se ocupa de los colores que usa en su paleta. También se trata de intensidad: debes elegir cómo saturado (vívido) o sutil desea que sean los colores, y si desea usarlos para expresar la idea de claro u oscuro.
El tono, también llamado sombreado o "valor", está directamente relacionado con el color. Puede usar sombreado para crear sombras en su trabajo (como las sombras creadas por el sol en un paisaje, por ejemplo). Esto permitirá que su trabajo parezca tridimensional y le dará al espectador una sensación de profundidad.
Para que su arte funcione, también debe considerar el uso del espacio.
Piense en cuánto espacio le gustaría entre los elementos de su dibujo (conocido como espacio negativo) y cuánto espacio desea que llenen los objetos de su dibujo (espacio positivo). Esto variará según el tipo de dibujo que esté haciendo.
En el arte occidental, el espacio negativo a menudo se rellena con color o incluso sombreado, pero algunos Arte asiático deja el espacio en blanco y en blanco del propio papel alrededor del objeto central; esto también puede ser muy eficaz.
Una cosa para recordar, no ponga la misma cantidad de espacio negativo entre cada elemento en su pieza - para mantener las cosas interesantes, es importante variar la forma y el tamaño del espacio negativo.
Equilibrio y unidad
Equilibrio y unidad se consideran el sello distintivo de "bueno" arte convencional. Hay algunas reglas de oro, todas probadas por los grandes artistas, que puedes usar para encontrar el equilibrio en tus propias piezas.
Pero primero, algunos consejos generales que ayudarán a que seguir las reglas de oro sea más fácil. Es importante que haya un área principal de interés y enfoque en su dibujo, para que el espectador sepa qué mirar y no se distraiga con demasiados elementos pequeños.
Coloque su tema más prominente ligeramente descentrado en su trabajo para darle un flujo agradable al espectador y asegúrese de que esté mirando hacia el dibujo, no fuera de su imagen.
Asegúrese de no cortar su pintura directamente por la mitad, ya sea vertical u horizontalmente, ya que esto puede parecer menos realista. Si está utilizando una línea de horizonte en su trabajo, asegúrese de que no esté en el centro de la imagen: coloque ya sea alto o bajo para que muestre más "cielo" o más "suelo", según lo que estés dibujo.
Y ahora, el reglas de oro.La primera regla de oro es la regla de los tercios, y en realidad está relacionado con la media dorada en sí. La media áurea, o proporción áurea, ha guiado a los artistas clásicos durante siglos. Establece que los elementos de una obra de arte deben colocarse de manera que cada elemento esté en una proporción de 1 a 1,618 (alrededor de 3 a 5) en relación con cualquier otro elemento. La regla de los tercios es una versión simplificada de la media dorada.
Para seguirlo, divida su dibujo en una cuadrícula de 3 columnas y filas, todas del mismo tamaño. Coloque su tema principal y áreas de interés más pequeñas cerca de una de las líneas de su cuadrícula y, si puede, intente colocarlas en la intersección de las filas y columnas de la cuadrícula. Esto creará fácilmente un equilibrio ideal en tu dibujo, ya que te obliga a evitar colocar elementos importantes en áreas que cortarían visualmente la pieza por la mitad, deteniendo la mirada del espectador.
Como la regla de los tercios, la regla de las probabilidades también se basa en números impares. Para lograr un dibujo realista, debe tener un número impar de sujetos en su pieza, como 1 o 3, en lugar de un número par. Si solo tiene un punto focal principal, poner un número par de elementos a su alrededor; de esa manera, terminará con un número impar de elementos en su trabajo, lo que generalmente es más agradable a la vista. Al igual que con la regla anterior, la regla de los tercios le ayuda a evitar cortar su trabajo directamente por el centro.
Para unificar tu trabajo, la repetición de algunos elementos es clave. Por ejemplo, puede elegir un símbolo o motivo y repetirlo en ciertas áreas de su dibujo, tal vez en un color diferente o en un tamaño más pequeño. Esto establece un patrón en tu pieza y ayuda a que tenga sentido para el espectador. Sin embargo, es importante no abusar de esto, ya que también desea tener variedad en su trabajo.
Perspectiva
La perspectiva en desarrollo es una habilidad fundamental en el arte, y es lo que le da a tu trabajo una sensación de profundidad y distancia. En el dibujo, la perspectiva sostiene que los objetos se vuelven más pequeños a medida que avanzan hacia el fondo de una imagen, mientras que los objetos más grandes están en el primer plano (frente) de la imagen.
Lineal y Perspectiva aérea ambos son importantes para los artistas. Perspectiva lineal se puede dividir en perspectiva de 1 punto, 2 puntos o 3 puntos. La perspectiva de 1 punto es el lugar más simple para comenzar. Para usarlo, solo necesita una vista y un punto fijo.
Si está dibujando una iglesia, su vista será lo que ve frente a usted con la cabeza recta, y el punto fijo puede ser lo que elija, como una estatua frente a usted. Dirigirá los ojos del espectador a la estatua mediante el uso de dos cosas: un punto de fuga, y una línea de horizonte. El punto de fuga puede ser cualquier punto en la distancia en el que sus ojos se posan naturalmente en una iglesia, podría ser un punto en una pared distante.
Tu punto de fuga está incorporado en tu línea de horizonte, que es una línea horizontal larga y plana del cielo (o del suelo, en interiores) que se extenderá hacia la izquierda y la derecha de su dibujo e incluso fuera de su imagen. La perspectiva es una herramienta bastante compleja y adopta muchas formas diferentes, pero estos son los fundamentos para establecer una perspectiva de un solo punto, que le da dimensión y un aspecto natural a su trabajo.
Los elementos esenciales del dibujo de composición, equilibrio, unidad y perspectiva se encuentran en todas las formas de arte. Aunque los bailarines y músicos tendrán diferentes definiciones y enfoques de estos elementos que los artistas visuales, forman un núcleo común entre todas las disciplinas artísticas.
Cualquiera que sea su campo, seguir estos principios fundamentales garantizará que su trabajo sea profesional, no aficionado, y que sus piezas expresen su personalidad y comuniquen claramente su mensaje a su audiencia.
