Meilleurs instrumentaux rock oldies des années 50

Vous n'avez pas besoin d'expliquer le succès de cet instrumental classique à quiconque l'a déjà entendu: peu de chansons réussissent aussi universellement et instantanément à créer une atmosphère de rêve. Cela ne faisait probablement pas de mal, cependant, que la culture hawaïenne commençait tout juste à exploser dans l'Amérique conscience en 1959― après tout, cette île du Pacifique stratégiquement importante venait de devenir la 50e Etat. Santo Farina, la moitié solo de ce duo de frères, a joué un

guitare en acier accordé dans une variante hawaïenne « touche molle » puisque son professeur de guitare était bien versé dans le style insulaire. La chanson elle-même était basée sur un standard de jazz appelé "Softly, as in a Morning Sunrise". Le reste appartient à l'histoire du rock instrumental.

Doggett ne voulait rien avoir à faire avec le rock and roll, ou même l'ancien R&B―a Louis Jordan sideman, il se considérait avant tout comme un organiste de jazz. Mais en rassemblant le groupe de premier ordre avec une triple menace guitare-orgue-sax, il demandait probablement un carrefour de la culture pop, et il en a obtenu un avec ce incroyablement sexy shuffle, dans lequel le saxophoniste Clifford Scott et le guitariste Billy Butler parcourent autant de morceaux de jazz, de R&B, de blues et même de country qu'ils peuvent en imaginer dans deux fumeurs côtés. C'est un de ces jams qui souffle si chaud qu'on entend les membres crier d'accord entre les cracks. (Cet équipage a rapidement proposé deux autres smashs R&B instrumentaux - "Slow Walk", plus tard un tube pop pour Sil Austin, et "Ram-Bunk-Shush", introduit dans le Top 40 par Les Entreprises.)

Le "King of Twang", Duane Eddy était l'un des quelques pionniers de la guitare au tournant de la décennie qui cherchaient à utiliser l'acoustique et les nouvelles avancées électroniques pour apporter de nouvelles voix à leur instrument. Pour sa part, Eddy a obtenu ce twang profond et sans fin en se concentrant sur les cordes basses de sa Gretsch et en nourrissant ses solos dans un réservoir d'eau vide de 2 000 gallons pour être capté par un microphone. Le résultat a été une influence majeure sur la guitare rock à venir, en particulier la vague montante des groupes de surf. (Ce sont les Rivingtons de la renommée de "Papa-Oom-Mow-Mow" qui l'encouragent vocalement, et la future cohorte de Nancy Sinatra Lee Hazelwood derrière les planches; quelques-uns des membres du groupe ici sont devenus des musiciens de session dans le célèbre "Wrecking Crew" de Los Angeles des années 60.)

Comme tous ceux qui ont déjà vu le film Pulp Fiction sait, ce classique instrumental crée un air menaçant si épais que vous pouvez le couper avec un couteau. En fait, cette atmosphère a conduit Phil Everly des Everly Brothers à suggérer le titre de la chanson, et cela a conduit à une chanson sans paroles interdites. de nombreuses stations de radio à travers l'Amérique juste à l'extérieur de la chance que cela pourrait attiser des gangs qui "grondent" (c'est-à-dire se battent) dans l'intérieur villes. La première chanson rock à introduire le "power chord" et la distorsion de guitare, les deux derniers piliers du hard rock, son influence était si profonde qu'elle a causé de nombreux membres de l'invasion britannique, notamment le Qui est Pete Townshend, de prendre une guitare pour la première fois.

De loin le plus gros succès de cette liste, "Tequila" était aussi le produit d'un nouveau multiculturalisme qui faisait son chemin vers la radio américaine: dans ce cas, l'engouement pour le latin, qui a conduit à la popularité du calypso et du mambo, et aussi de ce petit numéro amusant, qui croisait un rythme rock droit avec un rythme aux saveurs latines à la guitare et cymbale. Exploitation culturelle? Non, le saxophoniste, qui a écrit son propre riff classique, était un certain Danny Flores, qui a crié "Tequila!" seulement parce qu'il ne pouvait penser à rien d'autre à dire quand la musique s'arrêta. Et c'est ainsi que cette chanson, écrite et enregistrée en dix minutes pour une face B, est devenue l'un des instrumentaux les plus populaires de tous les temps.

Ce premier exemple de vintage Soleil rockabilly présentait un riff de guitare si savoureux qu'il a également inspiré la formation d'un groupe d'invasion britannique. George Harrison l'a utilisé pour auditionner pour John Lennon. C'était si populaire, le premier hit rock instrumental jamais connu, qu'il a été ramené dans le Top 40 la même année par Billy Vaughn et Ernie Freeman, et a été l'inspiration directe pour "Rebel-'Rouser" de Duane Eddy. Justis n'a cependant jamais reproduit son succès lui-même, peut-être parce qu'il n'a pas joué le guitare. C'est lui qui prenait les solos de saxophone.

Sandy a été l'un des premiers grands batteurs de rock (vous pouvez l'entendre sur certains classiques Gène Vincent ainsi que "Alley-Oop" des Hollywood Argyles), et il a repris une grande tradition du jazz monde: des solos de batterie prolongés, qui avaient déjà donné lieu à un instrument de jazz classique appelé « Topsy », un succès pour Cole confortable. Nelson a transféré cela au rock, et le résultat n'était pas seulement ce smash, mais toute une carrière d'albums où Nelson a pris tout ce qui était populaire à la radio et y a apposé son empreinte personnelle, ou devrions-nous dire piétiner. En fait, perdre un pied dans un accident de moto en 1963 l'a à peine ralenti. Prend ça, Déf Leppard!

Cortez n'était pas vraiment son nom de famille, et il n'était pas vraiment un organiste: de la même manière qu'il utilisait son deuxième prénom comme nom de famille, M. David Clowney était un pianiste qui a décidé, sur un coup de tête, de jouer un Hammond B-3 sur son tout premier single après l'avoir espionné dans le studio. En fait, "The Happy Organ" n'était même pas censé être un instrument, mais quand sa voix ne l'a pas fait vibrer, il a encore improvisé. Le résultat n'était pas seulement un tube, mais le premier tube rock à comporter un orgue, qui était depuis longtemps l'apanage des groupes de jazz, des stades de baseball et des patinoires à roulettes. Comme pour le reconnaître, le suivi moins réussi s'appelait "Rinky Dink".

L'idée de prendre des standards d'autres domaines de la musique populaire et de leur donner une touche rock était encore nouvelle en 1959, et Johnny Paris avait du pain sur la planche avec "Red River Valley", une chanson folklorique centenaire si ancienne que son auteur a été perdu pour l'histoire. Mais le familier se vend aussi, et les Hurricanes ont eu un grand succès avec "Rock", le deuxième tube du genre basé sur une mélodie d'orgue. Johnny ne jouait pas non plus de l'orgue; c'était le saxophoniste. Et ce son minable, ringard, mais irrésistiblement amusant que vous entendez ne vient pas du genre de Hammond auquel vous vous attendriez...

Quand est-ce qu'un instrumental n'est pas un instrumental? Écoutez attentivement, et vous entendrez que les "Woo hoo" qui servent de gros crochet pour ce tube ne sont en fait là que pour équilibrer les solos de batterie et de guitare. Cet écart est souvent dépassé ces jours-ci, ironiquement en raison d'une résurgence majeure de la chanson popularité: ce qui était autrefois considéré comme un étrange numéro de nouveauté a été déterré par le réalisateur John Waters pour son film Quéquette, ce qui a conduit à son inclusion dans Chez Quentin TarantinoTuer Bill Vol. 1, ce qui a conduit à son utilisation omniprésente, sous une forme réenregistrée, dans des extraits lors d'une campagne publicitaire Vonage. Cependant, c'est toujours techniquement un instrumental, comme "Tequila", ou "Fly Robin Fly", ou "The Hustle". Mais c'est pour un autre jour.