Pour l'observateur occasionnel, le monde de les arts peut sembler inaccessible.
En regardant un tableau, en regardant un ballet ou en écoutant un concert classique, le grand public et les amateurs d'art auront une réponse émotionnelle, mais ils peuvent ne pas comprendre comment ces œuvres ont été créé.
Beaucoup de gens croient que le talent, la chance et le génie sont responsables de la création du grand art. Bien que ceux-ci jouent certainement un rôle, ils ne sont pas toute l'histoire. S'il peut passer inaperçu aux yeux des moins avertis, tous les arts reposent sur un socle commun : principes de conception, qui varient selon la discipline.
Les danseurs apprennent à jouer en rythme avec leurs collègues interprètes, de sorte qu'ils se déplacent comme une seule unité. Peintres et autres artistes visuels apprendre à manipuler des éléments de perspective, la composition et l'utilisation de la lumière ou de l'ombre.
Étude des musiciens classiques règles d'harmonie et forme musicale; ils apprennent à obtenir une bonne intonation et à bouger leur corps de manière à produire le son souhaité.
Une solide compréhension des principes de conception sous-jacents de votre métier est essentielle pour devenir un artiste sophistiqué et mature. La musique de Bach et Beethoven n'existerait pas sans leur maîtrise totale des règles de l'harmonie; Monet et Vermeer ne serait pas célébré sans leur contrôle complet de la perspective et l'utilisation de la lumière dans leurs peintures.
Dans chaque discipline artistique, la connaissance et le respect des principes fondamentaux de son sujet sont inculqués dès les premiers niveaux et sont continuellement utilisés comme fondement pour atteindre des niveaux de maîtrise plus avancés.
Les étudiants et les professionnels utilisent ces philosophies fondamentales d'informer leur travail au quotidien, même aux plus hauts stades de leur carrière.
Dans toutes les formes d'art, la plupart de ces principes se rapportent aux aspects techniques de la façon dont vous devez exécuter un mouvement ou coup de pinceau particulier, ou où placer un sujet ou une note particulière, plutôt qu'à l'esthétique notions.
Ainsi, il est facile de les considérer de manière rigide, plutôt que comme un cadre de soutien. Pourtant, au fur et à mesure que vous avancez dans votre métier, vous voyez que chaque artiste a sa propre interprétation des principes; c'est ce qui permet à chaque œuvre et à chaque artiste d'être différent d'un autre.
En maîtrisant les problèmes techniques et en perfectionnant continuellement votre technique, vous apprendrez à manipuler le règles à votre manière, et cela donnera un sens, un caractère distinctif et une expression personnelle à votre travail. Bach, Beethoven et tous les grands maîtres ont perfectionné puis contourné les règles; c'est ainsi que vous deviendrez aussi un artiste unique et mémorable.
Arts visuels comme le dessin peut être particulièrement difficile, car vous devez représenter éléments tridimensionnels sur une surface à deux dimensions. Mais, suivre certains principes, même en tant que débutant, aidera votre art à être convaincant et expressif avec moins de frustration et d'effort. Jetons un coup d'œil à quelques-uns des principes fondamentaux technique de conception qui sont essentiels pour quiconque dessine.
Composition
Composition est la disposition de tous les éléments de votre dessin. La forme, la ligne, la couleur, le ton et l'espace en font tous partie.
Avant de commencer à dessiner, il est préférable de faire des croquis préliminaires et de planifier ce que vous voulez dessiner. Une fois que vous avez fait cela, la première chose à laquelle vous devez penser pour votre dessin est la forme. Dès le début, vous devez établir la grande forme globale (contours) pour l'ensemble de votre dessin.
Vous ne devriez commencer à travailler sur les formes plus petites d'objets individuels qu'une fois que vous êtes satisfait d'avoir transmis le contour souhaité. Essayer de dessiner d'abord les plus petites formes ne fera qu'engendrer de la frustration; votre travail manquera de définition et ne sera pas aussi convaincant qu'il pourrait l'être. En d'autres termes, ignorez les détails jusqu'à ce que vous maîtrisiez les bases!
Ligne est la façon dont vous guidez un spectateur à travers votre peinture.Lignes horizontales, comme ceux des dessins de paysages, transmettent généralement un sentiment de paix; les lignes diagonales peuvent ajouter de la tension. En général, les courbes donnent une sensation beaucoup plus naturelle et agréable que les lignes droites; ils donnent également à votre pièce un bon sens du mouvement, donc elle a l'air plus réaliste.
La couleur, bien sûr, concerne les couleurs que vous utilisez dans votre palette. C'est aussi une question d'intensité - vous devez faire un choix quant à la façon dont saturé (vives) ou subtiles, vous voulez que les couleurs soient, et si vous voulez les utiliser pour exprimer l'idée de lumière ou d'obscurité.
Le ton, également appelé ombrage ou « valeur », est directement lié à la couleur. Vous pouvez utiliser l'ombrage pour créer des ombres dans votre travail (comme des ombres créées par le soleil dans un paysage, par exemple). Cela permettra à votre travail de paraître en trois dimensions et donnera au spectateur une impression de profondeur.
Pour que votre art fonctionne, vous devez également tenir compte de votre utilisation de l'espace.
Pensez à l'espace que vous souhaitez entre les éléments de votre dessin (appelé espace négatif) et l'espace que vous souhaitez que les objets de votre dessin remplissent (espace positif). Cela varie en fonction du type de dessin que vous faites.
Dans l'art occidental, l'espace négatif est souvent rempli de couleur ou même d'ombrage, mais certains art asiatique laisse l'espace blanc et blanc du papier lui-même autour de l'objet central; cela peut aussi être très efficace.
Une chose à retenir, ne mettez pas la même quantité d'espace négatif entre chaque élément de votre pièce - pour garder les choses intéressantes, il est important de varier la forme et la taille de l'espace négatif.
Équilibre et Unité
Équilibre et unité sont considérés comme les caractéristiques du « bon » art conventionnel. Il existe des règles d'or, toutes éprouvées par les grands artistes, que vous pouvez utiliser pour trouver l'équilibre dans vos propres pièces.
Mais d'abord, quelques conseils généraux qui vous aideront à suivre les règles d'or plus facilement. Il est important qu'il y ait une zone d'intérêt et de concentration principale dans votre dessin, afin que le spectateur sache quoi regarder et ne soit pas distrait par trop de petits éléments.
Placez votre sujet le plus important légèrement décentré dans votre travail pour donner une belle fluidité au spectateur et assurez-vous qu'il fait face au dessin, pas à l'extérieur de votre image.
Assurez-vous de ne pas couper votre peinture directement en deux, verticalement ou horizontalement, car cela peut sembler moins réaliste. Si vous utilisez une ligne d'horizon dans votre travail, assurez-vous qu'elle ne se trouve pas au centre de l'image - placez il soit haut ou bas pour qu'il montre plus de "ciel" ou plus de "sol", selon ce que vous êtes dessin.
Et maintenant, le règles d'or.La première règle d'or est la règle des tiers, et c'est en fait lié au juste milieu lui-même. Le nombre d'or, ou nombre d'or, a guidé les artistes classiques pendant des siècles. Il stipule que les éléments d'une œuvre d'art doivent être placés de manière à ce que chaque élément soit dans une proportion de 1 à 1,618 (environ 3 à 5) par rapport à tout autre élément. La règle des tiers est une version simplifiée de la juste milieu.
Pour le suivre, divisez votre dessin en une grille de 3 colonnes et lignes, toutes de taille égale. Placez votre sujet principal et des zones d'intérêt plus petites près de l'une des lignes de votre grille, et si vous le pouvez, essayez de les placer à l'intersection des lignes et des colonnes de la grille. Cela créera facilement un équilibre idéal dans votre dessin, car cela vous obligera à éviter de placer des éléments importants dans des zones qui couperaient visuellement la pièce en deux, bloquant ainsi les yeux du spectateur.
Comme la règle des tiers, la règle des cotes est également basé sur des nombres impairs. Pour obtenir un dessin réaliste, vous devez avoir un nombre impair de sujets dans votre pièce, comme 1 ou 3, plutôt qu'un nombre pair. Si vous n'avez qu'un seul point focal principal, mettez un nombre pair d'éléments autour d'elle; de cette façon, vous vous retrouverez avec un nombre impair d'éléments dans votre travail, ce qui est généralement plus agréable à l'œil. Comme pour la règle précédente, la règle des tiers vous aide à éviter de couper votre travail directement au centre.
Pour unifier votre travail, la répétition de certains éléments est la clé. Par exemple, vous pouvez choisir un symbole ou un motif et le répéter dans certaines zones de votre dessin, peut-être dans une couleur différente ou dans une taille plus petite. Cela établit un motif dans votre pièce et l'aide à avoir un sens pour le spectateur. Il est important de ne pas en abuser, car vous voulez également avoir de la variété dans votre travail.
Perspective
Développer la perspective est un compétence fondamentale en art, et c'est ce qui donne à votre travail une impression de profondeur et de distance. Dans le dessin, la perspective considère que les objets deviennent plus petits à mesure qu'ils se rapprochent de l'arrière-plan d'une image, tandis que les objets plus gros sont au premier plan (avant) de l'image.
Linéaire et vue aérienne sont tous deux importants pour les artistes. Perspective linéaire peut être divisé en perspective à 1 point, 2 points ou 3 points. La perspective à 1 point est le point de départ le plus simple. Pour l'utiliser, il suffit d'une vue et d'un point fixe.
Si vous dessinez une église, votre vue sera ce que vous voyez devant vous avec la tête droite, et le point fixe peut être celui que vous choisissez, comme une statue devant vous. Vous dirigerez le regard du spectateur vers la statue en utilisant deux choses: un point de fuite, et une ligne d'horizon. Le point de fuite peut être n'importe quel point à la distance sur lequel vos yeux se posent naturellement dans une église, il peut s'agir d'un point sur un mur éloigné.
Votre point de fuite est intégré à votre ligne d'horizon, qui est une longue ligne horizontale plate du ciel (ou du sol, à l'intérieur) qui s'étendra à gauche et à droite de votre dessin et même en dehors de votre image. La perspective est un outil assez complexe et prend de nombreuses formes différentes, mais ce sont les bases de l'établissement d'une perspective en un seul point, qui donne une dimension et un aspect naturel à votre travail.
Les éléments essentiels du dessin que sont la composition, l'équilibre, l'unité et la perspective se retrouvent dans toutes les formes d'art. Bien que les danseurs et les musiciens aient des définitions et des approches de ces éléments différentes de celles des artistes visuels, ils forment un noyau commun entre toutes les disciplines artistiques.
Quel que soit votre domaine, le respect de ces principes fondamentaux garantira que votre travail est professionnel et non amateur, et que vos pièces expriment votre personnalité et communiquent clairement votre message à votre public.
