Il movimento nell'arte può riguardare diversi concetti:
(A) C'è il termine generale 'movimento' come nello stile e nella scuola d'arte.
(B) C'è movimento come rappresentato in un dipinto che implica il movimento fisico di un oggetto sovrapponendo istantanee nel tempo. (Come usato ad esempio nel particolare stile dei futuristi e dei vorticisti. Un esempio è quello di Giacomo Balla Dinamismo di un cane al guinzaglio, ora alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo, New York).
(C) Poi c'è il movimento come parte della composizione.
Guidare l'occhio dello spettatore in un viaggio
Il movimento è la creazione di un senso di flusso e riflusso attraverso un dipinto che lo trasforma da carta da parati passiva a a estensione dinamica della psiche dello spettatore, la creazione di un'interreazione che porta lo spettatore su un percorso di scoperta. Il movimento in questo caso è l'opposto di statico, blando, privo di emozioni e poco stimolante. Questo è ciò che ci interessa quando parliamo di movimento come elemento di composizione nell'arte.
Quando crei movimento in un dipinto, pensa alla coreografia del processo, a ciò che stai rivelando al pubblico, a ciò che viene lasciato all'immaginazione. Un dipinto dovrebbe essere una domanda, non una risposta. Richiamare l'immaginazione del pubblico consente a diversi spettatori di interagire in modi diversi, motivo per cui è consigliato di lasciare sempre qualcosa di non detto in un dipinto, per dare al pubblico la possibilità di un unico interazione.
Il dipinto dovrebbe rivelarsi lentamente al pubblico, dovrebbe offrire angoli e fessure che portano fuori dal percorso principale. In altre parole, il dipinto dovrebbe essere un viaggio, non la destinazione. Un dipinto che offre solo un punto di vista statico non è meglio di uno scatto di vacanza (fornirebbe il fotografo con una chiave per i propri ricordi, ma essere semplicemente un'immagine arbitraria per chiunque non sia emotivamente coinvolto). L'artista dovrebbe incoraggiare lo spettatore a interagire con il soggetto, a imparare e crescere. Il dipinto può essere un semplice aneddoto, o un racconto eroico, ma dovrebbe parlare allo spettatore con la gioia di una storia che si dipana.
L'artista è un conduttore, portando l'occhio dello spettatore attraverso il dipinto utilizzando una miriade di tecniche che danno al dipinto una sensazione di movimento, attraverso lo spazio, il tempo, o anche l'emozione. Si può dare movimento in un dipinto attraverso un'immagine forte e fondamentale, diciamo lo scorrere di un fiume; dalla luce di un dolce sole serale, che implica il trascorrere di un giorno; o attraverso l'emozione di un ritratto impreziosito dal simbolismo iconico circostante, che mostra come la figura sia arrivata a quel sentimento. Il movimento può essere ottenuto anche attraverso l'effetto della crescita o del decadimento. Una vitalità che infonde il soggetto, e dice allo spettatore, questa è vita, questo è movimento.
Che cosa si può fare? Il primo punto è pensare in termini di composizione complessiva, da dove vorresti che iniziasse l'occhio dello spettatore (ricorda che nel Ad ovest, lo spettatore di solito inizia nell'angolo in alto a sinistra di un dipinto, poiché ci viene insegnato fin dalla tenera età a leggere in quel modo). Da sinistra a destra, dall'alto verso il basso è la norma, ma una composizione forte può attirare l'attenzione del pubblico contro tale condizionamento.
Il movimento può essere indicato dal flusso degli oggetti nel dipinto, dalla loro disposizione e schema; attraverso l'uso della prospettiva. Il movimento può essere implicato dalla direzione in cui le figure affrontano: un dipinto passivo avrebbe un raggruppamento sinergico direzione, mentre la casualità nella direzione delle figure darà una natura selvaggia e una vitalità energica a a la pittura.
Successivamente l'artista può considerare l'uso del colore (compresi effetti ottici come il blu che si allontana dall'occhio e il rosso che si avvicina ad esso); pennellata (marcare possono aggiungere al flusso del dipinto attraverso la loro direzione, oltre a dare una velocità al movimento attraverso la variazione della dimensione della pennellata); il modello di luce e ombra; e tono (che è importante per la visione periferica, e quindi può distogliere lo sguardo da un soggetto centrale). Considera di rinforzare le principali direzioni di movimento echeggiando (ad esempio, facendo scorrere le nuvole nel cielo nel come le onde del mare) e in bicicletta (riportando lo sguardo al punto di partenza, così il viaggio può iniziare una nuova).
Guardando il dipinto di Vincent van Gogh sopra, il senso di movimento più evidente è nelle onde, la fila su fila di onde (contrassegnate come #1). Poi c'è il banco di nuvole (#2), che sembra soffiare verso destra, creato sia dalla forma delle nuvole che dalla direzione delle pennellate. La forma delle nuvole riecheggia la forma dell'onda. In primo piano le nuvole hanno getta un'ombra (#3), dando un senso di cambiamento di luce nella scena. Le posture, le posizioni e le dimensioni relative delle varie figure (#4) danno la sensazione che alcuni siano più lontani da noi, mentre camminano verso la barca. Guarda come la figura a destra (#5) sembra piegata in avanti, a grandi passi nel vento!
Tutte le piccole cose si sommano, lavorando l'una con l'altra per creare l'atmosfera generale e il senso delle cose che accadono e si muovono. Guarda come la bandiera rossa in cima all'albero sventola al vento (#6). Il suo colore si ripete in pochi altri punti del dipinto (a partire dalla camicia che indossa la figura nella barca), lavorando su quell'altro elemento di composizione, l'unità. Anche il colore rosso emerge in avanti dal dipinto contro il cielo blu opaco, ci dice che il la barca è al centro dell'attenzione e che le figure sulla spiaggia stanno facendo la loro parte nel suo varo. Fermati un minuto per pensare a quante informazioni hai letto in quel piccolo tocco di vernice: direzione del vento, forza del vento, che c'è vento (o la bandiera sarebbe floscia).
Ricorda sempre che il movimento nella composizione è un'espressione del viaggio che il pubblico intraprende con te, artista, come guida. Anche il più piccolo componente può dare un movimento pittorico.
