შემთხვევით დამკვირვებელს, სამყაროს ხელოვნება შეიძლება მიუწვდომელი ჩანდეს.
ნახატის ყურებისას, ბალეტის ყურებისას ან კლასიკური კონცერტის მოსმენისას, ფართო საზოგადოება და ხელოვნების ენთუზიასტებს ექნებათ ემოციური პასუხი, მაგრამ მათ შეიძლება ვერ გაიგონ, როგორი იყო ეს ნამუშევრები შექმნილი.
ბევრს სჯერა, რომ ნიჭი, იღბალი და გენიოსი პასუხისმგებელია მაღალი ხელოვნების შემოტანაზე. მიუხედავად იმისა, რომ ისინი ნამდვილად თამაშობენ როლს, ისინი არ არიან მთელი ამბავი. მიუხედავად იმისა, რომ ეს შეიძლება შეუმჩნეველი დარჩეს ნაკლებად მომზადებული თვალებით, ყველა ხელოვნება ეფუძნება საერთო საფუძველს: დიზაინის პრინციპები, რომლებიც განსხვავდება დისციპლინის მიხედვით.
მოცეკვავეებს ასწავლიან დროულად შეასრულონ თავიანთი შემსრულებლებთან ერთად, ისე რომ ისინი მოძრაობდნენ როგორც ერთი ერთეული. მხატვრები და სხვა ვიზუალური მხატვრები ისწავლეთ ელემენტების მანიპულირება პერსპექტივა, კომპოზიცია და სინათლის ან ჩრდილის გამოყენება.
კლასიკური მუსიკოსები სწავლობენ ჰარმონიის წესები და მუსიკალური ფორმა; ისინი სწავლობენ როგორ მიაღწიონ კარგ ინტონაციას და მოძრაობენ თავიანთი სხეულების იმ გზებით, რომლებიც წარმოქმნიან სასურველ ხმას.
თქვენი ხელნაკეთობის დიზაინის ძირითადი პრინციპების მყარი გაგება აუცილებელია დახვეწილ, ზრდასრულ მხატვრად ჩამოყალიბებისთვის. მუსიკა ბახი და ბეთჰოვენი არ იარსებებს ჰარმონიის წესების სრული დაუფლების გარეშე; მონე და ვერმეერი არ აღინიშნებოდა, რომ არა პერსპექტივის სრული კონტროლი და მათ ნახატებში სინათლის გამოყენება.
Ყოველ მხატვრული დისციპლინა, საგნის ძირითადი პრინციპების ცოდნა და პატივისცემა დანერგილია ადრეული საფეხურებიდან და მუდმივად გამოიყენება, როგორც საფუძველი ოსტატობის უფრო მაღალ დონეზე ასაშენებლად.
როგორც სტუდენტები, ასევე პროფესიონალები იყენებენ ამ ჩამოყალიბებულს ძირითადი ფილოსოფიები ყოველდღიურად აცნობონ თავიანთ საქმიანობას, თუნდაც მათი კარიერის უმაღლეს ეტაპზე.
ხელოვნების ფორმებში, ამ პრინციპების უმეტესობა ეხება ტექნიკურ ასპექტებს, თუ როგორ უნდა შეასრულოთ ა კონკრეტული მოძრაობა ან ფუნჯის დარტყმა, ან სად უნდა განთავსდეს კონკრეტული საგანი ან ჩანაწერი, ვიდრე ესთეტიკური ცნებები.
ამრიგად, ადვილია მათი ხისტი სახით დანახვა და არა როგორც დამხმარე ჩარჩო. მიუხედავად ამისა, როდესაც წინ მიიწევთ თქვენს ხელობას, ხედავთ, რომ თითოეულ ხელოვანს აქვს პრინციპების საკუთარი ინტერპრეტაცია; ეს არის ის, რაც საშუალებას აძლევს თითოეულ ნამუშევარს და თითოეულ ხელოვანს განსხვავდებოდეს მეორისგან.
ტექნიკური პრობლემების დაუფლებისას და თქვენი ტექნიკის მუდმივი დახვეწისას, თქვენ ისწავლით მანიპულირებას არეგულირებს შენს გზას და ეს მისცემს შენს მნიშვნელობას, გამორჩეულობას და პიროვნულ გამოხატულებას მუშაობა. ბახმა, ბეთჰოვენი და ყველა დიდმა ოსტატმა დაასრულეს და შემდეგ დაამახინჯეს წესები; ასე გახდები უნიკალური, დასამახსოვრებელი მხატვარიც.
Ვიზუალური ხელოვნება ხატვის მსგავსად შეიძლება განსაკუთრებით რთული იყოს, რადგან თქვენ უნდა წარმოადგინოთ სამგანზომილებიანი ელემენტები ორგანზომილებიან ზედაპირზე. მაგრამ გარკვეული პრინციპების დაცვა, თუნდაც დამწყებთათვის, დაეხმარება თქვენს ხელოვნებას იყოს დამაჯერებელი და გამოხატული ნაკლები იმედგაცრუებით და ძალისხმევით. მოდით შევხედოთ რამდენიმე ფუნდამენტურს დიზაინის ტექნიკა რაც აუცილებელია მათთვის, ვინც ხატავს.
კომპოზიცია
კომპოზიცია არის თქვენი ნახატის ყველა ელემენტის განლაგება. ფორმა, ხაზი, ფერი, ტონი და სივრცე ამ ყველაფრის ნაწილია.
სანამ ხატვას დაიწყებთ, უმჯობესია წინასწარ გააკეთოთ ესკიზები და დაგეგმოთ რისი დახატვა გსურთ. როგორც კი ამას გააკეთებთ, პირველი, რაზეც უნდა იფიქროთ თქვენი ნახატისთვის, არის ფორმა. თავიდანვე, თქვენ უნდა ჩამოაყალიბოთ მთლიანი დიდი ფორმა (კონტურები) თქვენი მთელი ნახატისთვის.
თქვენ უნდა დაიწყოთ ცალკეული ობიექტების უფრო მცირე ფორმებზე მუშაობა მხოლოდ მას შემდეგ, რაც დარწმუნდებით, რომ თქვენ გადმოგცეთ სასურველი კონტური. ჯერ პატარა ფორმების დახატვის მცდელობა მხოლოდ იმედგაცრუებას გამოიწვევს; თქვენს ნამუშევარს არ ექნება განსაზღვრება და არ იქნება ისეთი დამაჯერებელი, როგორც ეს შეიძლება იყოს. სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, იგნორირება გაუკეთეთ დეტალებს, სანამ საფუძვლებს სწორად არ მიიღებთ!
ხაზი არის გზა, რომლითაც ხელმძღვანელობთ მნახველს თქვენი ნახატის მეშვეობით.ჰორიზონტალური ხაზები, ლანდშაფტის ნახატების მსგავსად, ჩვეულებრივ, მშვიდობის გრძნობას გადმოსცემს; დიაგონალურ ხაზებს შეუძლიათ დაძაბულობის გაზრდა. ზოგადად, მრუდები იძლევა ბევრად უფრო ბუნებრივ, სასიამოვნო შეგრძნებას, ვიდრე სწორი ხაზები; ისინი ასევე აძლევენ თქვენს ნამუშევარს მოძრაობის კარგ გრძნობას, ასე რომ ის უფრო რეალისტურად გამოიყურება.
ფერი, რა თქმა უნდა, ეხება იმას, თუ რა ფერებს იყენებთ თქვენს პალიტრაში. ეს ასევე ეხება ინტენსივობას - თქვენ უნდა გააკეთოთ არჩევანი, თუ როგორ გაჯერებული (ნათელი) ან დახვეწილი გსურთ ფერები იყოს და გსურთ თუ არა მათი გამოყენება სინათლისა თუ სიბნელის იდეის გამოხატვისთვის.
ტონი, რომელსაც ასევე უწოდებენ დაჩრდილვას ან "მნიშვნელობას", პირდაპირ კავშირშია ფერთან. თქვენ შეგიძლიათ გამოიყენოთ დაჩრდილვა თქვენს ნამუშევარში ჩრდილების შესაქმნელად (მაგალითად, პეიზაჟში მზის მიერ შექმნილი ჩრდილები). ეს საშუალებას მისცემს თქვენს ნამუშევრებს გამოიყურებოდეს სამგანზომილებიანი და მისცემს მაყურებელს სიღრმის შეგრძნებას.
იმისათვის, რომ თქვენმა ხელოვნებამ იმუშაოს, თქვენ ასევე უნდა გაითვალისწინოთ სივრცის გამოყენება.
იფიქრეთ იმაზე, თუ რამდენი სივრცე გსურთ ნახატის ელემენტებს შორის (ცნობილი, როგორც უარყოფითი სივრცე) და რამდენი სივრცე გსურთ, რომ შეავსოთ თქვენს ნახატზე მოცემული ობიექტები (დადებითი სივრცე). ეს განსხვავდება იმისდა მიხედვით, თუ რა სახის ნახატს აკეთებთ.
დასავლურ ხელოვნებაში ნეგატიური სივრცე ხშირად ივსება ფერებით ან თუნდაც დაჩრდილვით, მაგრამ ზოგიერთი აზიური ხელოვნება ტოვებს თავად ქაღალდის ცარიელ, თეთრ ადგილს ცენტრალური ობიექტის გარშემო; ეს ასევე შეიძლება იყოს ძალიან ეფექტური.
ერთი რამ უნდა დაიმახსოვროთ, ნუ დააყენებთ ერთნაირი რაოდენობის ნეგატიურ სივრცეს თქვენს ნამუშევარში თითოეულ ელემენტს შორის - იმისათვის, რომ საგნები იყოს საინტერესო, მნიშვნელოვანია შეცვალოთ ნეგატიური სივრცის ფორმა და ზომა.
ბალანსი და ერთიანობა
ბალანსი და ერთიანობა ითვლება "კარგის" დამახასიათებელ ნიშნად ჩვეულებრივი ხელოვნება. არსებობს რამდენიმე ოქროს წესი, ყველა აპრობირებული დიდი მხატვრების მიერ, რომლებიც შეგიძლიათ გამოიყენოთ, რათა იპოვოთ წონასწორობა საკუთარ ნამუშევრებში.
მაგრამ პირველ რიგში, რამდენიმე ზოგადი რჩევა, რომელიც დაგეხმარებათ ოქროს წესების გამარტივებაში. მნიშვნელოვანია, რომ თქვენს ნახატში იყოს ძირითადი ინტერესის სფერო და ფოკუსირება, რათა მაყურებელმა იცოდეს რას უყუროს და არ გადაიტვირთოს ძალიან ბევრმა პატარა ელემენტმა.
მოათავსეთ თქვენი ყველაზე თვალსაჩინო საგანი თქვენს ნამუშევარში ცენტრიდან ოდნავ მოშორებით, რათა მნახველს სასიამოვნო ნაკადი მისცეს და დარწმუნდით, რომ ის მიმართულია ნახატისკენ და არა თქვენი სურათის გარეთ.
დარწმუნდით, რომ არ გაჭრათ თქვენი ნახატი პირდაპირ შუაზე, ვერტიკალურად ან ჰორიზონტალურად, რადგან ეს შეიძლება ნაკლებად რეალისტურად გამოიყურებოდეს. თუ თქვენ იყენებთ ჰორიზონტის ხაზს თქვენს სამუშაოში, დარწმუნდით, რომ ის არ არის სურათის ცენტრში - ადგილი ის ან მაღლა ან დაბალია ისე, რომ უფრო მეტ "ცას" ან მეტ "მიწას" აჩვენებს, იმისდა მიხედვით, თუ როგორი ხართ ნახატი.
და ახლა, ოქროს წესები.პირველი ოქროს წესი არის მესამედების წესი, და ის რეალურად დაკავშირებულია თავად ოქროს შუალედთან. ოქროს შუალედი, ანუ ოქროს თანაფარდობა, ხელმძღვანელობდა კლასიკურ მხატვრებს საუკუნეების განმავლობაში. მასში ნათქვამია, რომ ნამუშევრის ელემენტები უნდა განთავსდეს ისე, რომ თითოეული ელემენტი იყოს პროპორციულად 1-დან 1.618-მდე (დაახლოებით 3-დან 5-მდე) ნებისმიერ სხვა ელემენტთან მიმართებაში. მესამედების წესი არის გამარტივებული ვერსია ოქროს შუალედი.
რომ მიჰყვე მას, დაყავით თქვენი ნახატი 3 სვეტისა და მწკრივის ბადედ, ყველა თანაბარი ზომის. მოათავსეთ თქვენი მთავარი თემა და ინტერესის მცირე ადგილები თქვენს ბადის ერთ-ერთ ხაზთან ახლოს და თუ შეგიძლიათ, მიზნად დაისახეთ ისინი ბადის რიგებისა და სვეტების კვეთაზე. ეს ადვილად შექმნის იდეალურ ბალანსს თქვენს ნახატში, რადგან ეს გაიძულებთ, თავიდან აიცილოთ მნიშვნელოვანი ელემენტების განთავსება იმ ადგილებში, რომლებიც ვიზუალურად გაჭრის ნაწილს შუაზე და აჩერებს მაყურებლის თვალებს.
მესამეების წესის მსგავსად, შანსების წესი ასევე ეფუძნება კენტ რიცხვებს. რეალისტური ნახატის მისაღწევად, თქვენ უნდა გქონდეთ კენტი რაოდენობის საგნები თქვენს ნამუშევარში, მაგალითად 1 ან 3, ვიდრე ლუწი რიცხვი. თუ თქვენ გაქვთ მხოლოდ ერთი მთავარი ფოკუსური წერტილი, ირგვლივ მოათავსეთ ნივთების ლუწი რაოდენობა; ამგვარად, თქვენ მიიღებთ კენტი რაოდენობის ელემენტებს თქვენს ნამუშევარში, რაც ზოგადად უფრო სასიამოვნოა თვალისთვის. როგორც წინა წესთან ერთად, მესამედების წესი გეხმარებათ თავიდან აიცილოთ თქვენი სამუშაოს პირდაპირ ცენტრში.
თქვენი სამუშაოს გაერთიანებისთვის, ზოგიერთი ელემენტის გამეორება მთავარია. მაგალითად, შეგიძლიათ აირჩიოთ სიმბოლო ან მოტივი და გაიმეოროთ იგი თქვენი ნახატის გარკვეულ ადგილებში, შესაძლოა სხვა ფერში ან უფრო მცირე ზომის. ეს აყალიბებს შაბლონს თქვენს ნამუშევარში და ეხმარება მას მაყურებლისთვის აზრის მიღწევაში. მნიშვნელოვანია, რომ არ გამოიყენოთ ეს ზედმეტად, რადგანაც გსურთ მრავალფეროვნება თქვენს საქმიანობაშიც.
პერსპექტივა
განმავითარებელი პერსპექტივა არის ა ხელოვნების ფუნდამენტური უნარი, და ეს არის ის, რაც თქვენს ნამუშევარს აძლევს სიღრმისა და დისტანციის განცდას. ნახატში, პერსპექტივა ამტკიცებს, რომ ობიექტები მცირდება, როდესაც ისინი მიდიან გამოსახულების ფონისკენ, ხოლო უფრო დიდი ობიექტები გამოსახულების წინა პლანზე (წინა) არიან.
ხაზოვანი და საჰაერო პერსპექტივა ორივე მნიშვნელოვანია ხელოვანებისთვის. ხაზოვანი პერსპექტივა შეიძლება დაიყოს 1-პუნქტიანი, 2-პუნქტიანი ან 3-პუნქტიანი პერსპექტივით. 1-პუნქტიანი პერსპექტივა ყველაზე მარტივი ადგილია დასაწყებად. მის გამოსაყენებლად საჭიროა მხოლოდ ხედი და ფიქსირებული წერტილი.
თუ თქვენ ხატავთ ეკლესიას, თქვენი ხედი იქნება ის, რასაც ხედავთ თქვენს წინ სწორი თავით, და ფიქსირებული წერტილი შეიძლება იყოს ის, რაც თქვენ აირჩევთ, როგორც ქანდაკება თქვენს წინ. თქვენ მაყურებლის თვალებს ქანდაკებისკენ მიმართავთ ორი რამის გამოყენებით: გაქრობის წერტილი, და ჰორიზონტის ხაზი. გაქრობის წერტილი შეიძლება იყოს ნებისმიერი წერტილი მანძილიდან, რომელსაც ბუნებრივად ეყრდნობა შენი თვალები ეკლესიაში, ეს შეიძლება იყოს წერტილი შორეულ კედელზე.
შენი გაქრობის წერტილი ჩართულია ჰორიზონტის ხაზში, ეს არის ცის გრძელი, ბრტყელი ჰორიზონტალური ხაზი (ან მიწის, როდესაც შიგნით ხართ), რომელიც გაგრძელდება თქვენი ნახატის მარცხნივ და მარჯვნივ და თქვენი სურათის გარეთაც კი. პერსპექტივა საკმაოდ რთული ინსტრუმენტია და იღებს ბევრ განსხვავებულ ფორმას, მაგრამ ეს არის ერთპუნქტიანი პერსპექტივის ჩამოყალიბების საფუძვლები, რაც თქვენს ნამუშევარს განზომილებასა და ბუნებრივ იერს ანიჭებს.
კომპოზიციის, ბალანსის, ერთიანობისა და პერსპექტივის არსებითი ნახატის ელემენტები გვხვდება ხელოვნების ყველა ფორმაში. მიუხედავად იმისა, რომ მოცეკვავეებს და მუსიკოსებს ექნებათ განსხვავებული განმარტებები და მიდგომები ამ ელემენტების მიმართ, ვიდრე ვიზუალურ არტისტებს აქვთ, ისინი ქმნიან საერთო ბირთვს ყველა მხატვრულ დისციპლინას შორის.
როგორიც არ უნდა იყოს თქვენი სფერო, ამ ფუნდამენტური პრინციპების დაცვა უზრუნველყოფს, რომ თქვენი სამუშაო იყოს პროფესიული და არა სამოყვარულო, და რომ თქვენი ნამუშევრები გამოხატავს თქვენს პიროვნებას და ნათლად აწვდის თქვენს გზავნილს თქვენს აუდიტორია.
