우연한 관찰자에게 세상의 예술 접근할 수 없는 것처럼 보일 수 있습니다.
그림을 볼 때, 발레를 볼 때, 클래식 콘서트를 들을 때, 일반 대중과 예술 애호가는 감정적 인 반응을 보일 것이지만 이러한 작업이 어땠는지 이해하지 못할 수 있습니다. 만들어진.
많은 사람들은 재능, 운, 천재성이 높은 예술을 탄생시키는 데 책임이 있다고 믿습니다. 이것들이 확실히 역할을 하지만, 그것들이 전체 이야기는 아닙니다. 덜 훈련된 눈에는 눈에 띄지 않을 수 있지만 모든 예술은 다음과 같은 공통 기반에 의해 뒷받침됩니다. 분야에 따라 다른 디자인 원칙.
무용수들은 동료 연주자들과 함께 제 시간에 공연하는 법을 배워서 하나의 단위로 움직입니다. 화가 및 기타 시각 예술가 요소를 조작하는 방법을 배웁니다. 관점, 구성 및 빛이나 그림자의 사용.
클래식 음악가 공부 조화의 규칙 및 음악 형식; 그들은 좋은 억양을 얻는 방법과 원하는 소리를 내는 방식으로 몸을 움직이는 방법을 배웁니다.
정교하고 성숙한 예술가로 성장하려면 공예의 기본 디자인 원칙에 대한 확실한 이해가 필수적입니다. 의 음악 바흐 그리고 베토벤 조화의 규칙에 대한 완전한 숙달 없이는 존재하지 않을 것입니다. 모네 그리고 베르메르 원근법을 완전히 제어하고 그림에서 빛을 사용하지 않았다면 축하받지 못했을 것입니다.
마다 예술 분야, 주제의 핵심 교리에 대한 지식과 존중은 가장 초기 단계부터 주입되어 더 고급 수준의 숙달을 위한 기반으로 지속적으로 사용됩니다.
학생과 전문가 모두 이러한 설정을 사용합니다. 핵심 철학 자신의 경력의 가장 높은 단계에서도 매일 자신의 일을 알립니다.
예술 형식 전반에 걸쳐 이러한 원칙의 대부분은 실행 방법의 기술적 측면과 관련이 있습니다. 특정한 움직임이나 붓놀림, 또는 미학적인 것보다는 특정한 주제나 메모를 놓을 위치 개념.
따라서 지지적인 틀로 보기보다는 엄격한 방식으로 보기 쉽습니다. 그러나 기술이 발전함에 따라 각 예술가는 원칙에 대한 고유한 해석을 가지고 있음을 알 수 있습니다. 이것이 각 예술 작품과 각 예술가가 서로 다른 것을 허용하는 것입니다.
기술적인 문제를 마스터하고 기술을 지속적으로 개선하면서 자신만의 방식으로 규칙을 정하면 의미, 독특함 및 개인적인 표현이 일하다. 바흐, 베토벤, 그리고 모든 위대한 대가들은 규칙을 완성하고 구부렸습니다. 이것은 당신도 독특하고 기억에 남는 예술가가 되는 방법입니다.
시각 예술 표현해야 하기 때문에 그리기가 특히 어려울 수 있습니다. 3차원 요소 2차원 표면에. 그러나 초보자라도 특정 원칙을 따르면 좌절과 노력을 덜 들이고 작품을 설득력 있고 표현력 있게 표현하는 데 도움이 됩니다. 몇 가지 기본적인 사항을 살펴보자. 디자인 기법 그것은 그림을 그리는 사람에게 필수적입니다.
구성
구성 도면에 있는 모든 요소의 레이아웃입니다. 모양, 선, 색상, 색조 및 공간이 모두 이 구성 요소입니다.
그리기를 시작하기 전에 미리 스케치를 하고 무엇을 그릴지 계획하는 것이 가장 좋습니다. 일단 이것을 하고 나면, 당신이 당신의 그림에 대해 생각해야 할 첫 번째 일은 모양입니다. 처음부터 전체 도면에 대해 전체적인 큰 모양(윤곽선)을 설정해야 합니다.
원하는 윤곽을 전달한 것에 만족한 후에만 개별 개체의 더 작은 모양에 대한 작업을 시작해야 합니다. 더 작은 모양을 먼저 그리려고 하면 좌절감을 느낄 뿐입니다. 당신의 작업은 정의가 부족하고 가능한 한 설득력이 없을 것입니다. 다시 말해, 기본 사항을 제대로 이해할 때까지 세부 사항을 무시하십시오!
선 그림을 통해 보는 사람을 안내하는 방법입니다.수평선, 풍경화에서처럼 일반적으로 평화로운 느낌을 전달합니다. 대각선은 긴장을 더할 수 있습니다. 일반적으로 곡선은 직선보다 훨씬 더 자연스럽고 즐거운 느낌을 줍니다. 그들은 또한 작품에 좋은 움직임을 주기 때문에 더 사실적으로 보입니다.
색상은 물론 팔레트에서 사용하는 색상을 다룹니다. 그것은 또한 강도에 관한 것입니다. 가득한 (선명한) 또는 미묘한 색상을 원하는지, 그리고 그것들을 사용하여 밝음 또는 어두움의 개념을 표현하고 싶은지 여부.
음영 또는 "값"이라고도 하는 톤은 색상과 직접적인 관련이 있습니다. 음영을 사용하여 작업에 그림자를 만들 수 있습니다(예: 풍경에서 태양이 만드는 그림자). 이렇게 하면 작업이 3차원처럼 보이고 보는 사람에게 깊이감을 줄 수 있습니다.
예술이 작동하려면 공간 활용도 고려해야 합니다.
도면의 요소 사이에 원하는 공간( 음의 공간) 및 도면의 객체가 채우려는 공간(양수 공간). 이것은 어떤 종류의 그림을 그리느냐에 따라 달라집니다.
서양 미술에서 음의 공간은 종종 색이나 음영으로 채워지지만 일부는 아시아 미술 중앙 개체 주위에 종이 자체의 빈 공백을 남깁니다. 이것도 매우 효과적일 수 있습니다.
한 가지 기억해야 할 점은 작품의 각 요소 사이에 동일한 양의 음수 공간을 두지 마십시오. 흥미로운 내용을 유지하려면 음수 공간의 모양과 크기를 변경하는 것이 중요합니다.
균형과 단결
균형과 화합 "좋은"의 특징으로 간주됩니다. 전통 예술. 자신의 작품에서 균형을 찾는 데 사용할 수 있는 몇 가지 황금률이 있습니다.
그러나 먼저, 황금률을 더 쉽게 따르는 데 도움이 되는 몇 가지 일반적인 팁입니다. 보는 사람이 무엇을 봐야 하는지 알고 너무 많은 작은 요소로 인해 주의가 분산되지 않도록 그림에 주요 관심 영역과 초점이 있어야 합니다.
가장 눈에 띄는 피사체를 작업의 중앙에서 약간 벗어나서 보는 사람에게 좋은 흐름을 제공하고 그림에서 벗어나지 않고 그림을 향하도록 합니다.
그림을 수직 또는 수평으로 직접 반으로 자르지 마십시오. 덜 사실적으로 보일 수 있습니다. 작업에서 수평선을 사용하는 경우 수평선이 그림 중앙에 있지 않은지 확인하십시오. 당신이 무엇에 따라 더 많은 "하늘"또는 더 많은 "땅"을 보여주기 위해 높거나 낮습니다. 그림.
그리고 지금, 황금 규칙.첫 번째 황금률은 삼분의 일의 법칙, 그리고 그것은 실제로 황금률 자체와 관련이 있습니다. 황금 평균 또는 황금 비율은 수세기 동안 고전 예술가를 안내해 왔습니다. 아트웍의 요소는 각 요소가 다른 요소에 대해 1에서 1.618(약 3에서 5)의 비율이 되도록 배치되어야 한다고 명시되어 있습니다. 3분의 1 법칙은 단순화된 버전입니다. 황금 평균.
그것을 따르려면, 그림을 모두 크기가 동일한 3개의 열과 행으로 구성된 그리드로 나눕니다. 주요 주제와 관심 영역을 그리드의 선 중 하나 근처에 배치하고 가능하면 그리드의 행과 열이 교차하는 지점에 배치하는 것을 목표로 합니다. 이렇게 하면 시각적으로 조각을 반으로 잘라 보는 사람의 눈을 멈추게 하는 영역에 중요한 요소를 배치하지 않도록 하기 때문에 그림에서 이상적인 균형을 쉽게 만들 수 있습니다.
3분의 1 법칙처럼, 확률의 법칙 또한 홀수를 기준으로 합니다. 사실적인 그림을 얻으려면 짝수가 아닌 1 또는 3과 같이 작품에 홀수 개의 주제가 있어야 합니다. 핵심 포인트가 하나만 있다면, 주위에 짝수 개의 항목을 놓으십시오. 그렇게 하면 일반적으로 눈에 더 좋은 홀수개의 요소가 작업에 포함됩니다. 이전 규칙과 마찬가지로 3분의 1 법칙은 작업을 중앙에서 직접 자르는 것을 방지하는 데 도움이 됩니다.
작업을 통합하려면 일부 요소를 반복하는 것이 중요합니다. 예를 들어 기호나 모티프를 선택하고 그림의 특정 영역에서 다른 색상이나 더 작은 크기로 반복할 수 있습니다. 이렇게 하면 작품에 패턴이 설정되고 보는 사람이 이해하는 데 도움이 됩니다. 그러나 작업에서 다양성을 원하기 때문에 이것을 남용하지 않는 것이 중요합니다.
관점
관점을 발전시키는 것은 예술의 기본 기술, 그것은 당신의 작업에 깊이와 거리감을 주는 것입니다. 그림에서 원근법은 물체가 이미지의 배경으로 갈수록 작아지고 더 큰 물체는 이미지의 전경(앞)에 있다는 것입니다.
선형 및 공중 관점 둘 다 아티스트에게 중요합니다. 선형 원근법 1점, 2점, 3점 투시로 나눌 수 있습니다. 1점 투시가 가장 간단한 시작점입니다. 그것을 사용하려면 보기와 고정점이 필요합니다.
교회를 그리면 머리를 꼿꼿이 세운 채 눈앞에 보이는 것이 시야가 될 것이고, 고정점은 눈앞에 있는 동상처럼 원하는 대로 무엇이든 될 수 있습니다. 다음 두 가지를 사용하여 시청자의 눈을 동상으로 향하게 합니다. 소실점, 그리고 수평선. 소실점은 교회 안에서 자연스럽게 시선이 머무는 거리의 어느 지점이든 될 수 있고, 먼 벽의 한 지점일 수도 있습니다.
당신의 소실점은 당신의 수평선에 통합되고, 이것은 그림의 왼쪽과 오른쪽, 심지어 그림 밖으로까지 확장되는 하늘(또는 실내의 경우 땅)의 길고 평평한 수평선입니다. 관점은 상당히 복잡한 도구입니다 그리고 다양한 형태를 취하지만 이것들은 작업에 차원과 자연스러운 모습을 제공하는 1점 투시를 설정하는 기본입니다.
구성, 균형, 통일성 및 원근법의 필수 드로잉 요소는 모든 예술 형식에서 찾을 수 있습니다. 무용수와 음악가는 이러한 요소에 대한 정의와 접근 방식이 시각 예술가와 다르지만 모든 예술 분야에서 공통된 핵심을 형성합니다.
귀하의 분야가 무엇이든 이러한 기본 원칙을 따르면 귀하의 작업이 전문적인 것이 아니라 당신의 작품이 당신의 개성을 표현하고 당신의 메시지를 당신의 청중.
