당신은 몇 년 동안 그림을 그렸고, 지역 아트 센터에서 그룹 전시회에 작품을 전시했고, 아마도 한 두 점의 그림을 팔았을 수도 있습니다. 아마추어 아티스트라는 타이틀을 넘어설 준비가 되셨습니까?
아마추어와 전문 예술가를 구별하는 것은 까다로운 일입니다. 멋진 그림을 그리는 것은 단순히 능력의 문제가 아닙니다. 그것은 또한 당신이 '실제' 직업을 가지고 있는지 여부와 관련이 없습니다. 그 단계를 수행하는 데 영향을 미치는 많은 요소가 있으며 즉시 발생하지 않습니다.
많은 아마추어 아티스트들이 듣기 싫어하지만, 성공은 하루아침에 이루어지지 않으며 실력이나 성격만으로 되는 것도 아닙니다. 전문 예술가들은 자신의 예술 작품을 만들고 판매하는 데 일생을 바쳤습니다.
하룻밤 사이에 센세이션을 일으키고 뉴욕시 갤러리로 향하는 예술가는 거의 없습니다. 시간이 걸리고 다양한 장소에서 판매하는 모든 수준의 전문 아티스트가 있습니다. 다양한 분야만큼이나 전문 아티스트들의 공통점도 많이 있으며 스스로에게 몇 가지 질문을 드리고자 합니다.
#1 - 어떤 매체를 사용하고 있습니까?
아마추어 갤러리 쇼는 수채화로 가득한. 수채화에는 아무런 문제가 없으며 매체에서 작업하는 멋진 전문가가 있지만 이는 종종 당신이 아마추어 예술가라는 신호입니다.
많은 화가들은 수채화가 더 쉽다고 믿기 때문에 수채화로 시작합니다. 어떤 면에서는 맞는 말이지만 당신은 아크릴을 찾을 수 있습니다 그리고 수용성 오일 배우기 쉽고 이러한 페인트는 초보자의 실수를 숨기는 데 더 좋습니다(그리고 실수가 있음을 인정합니다).
바로 뛰어들 필요는 없다 오일 페인트의 복잡성 그러나 아크릴을 그 방향으로 나아갈 수 있습니다. 이를 통해 임파스토 작업 및 매체를 사용하여 페인트 조작.
전문 수채화 작가도 다른 그림 매체를 알고 사용할 수 있으며 옵션 탐색 당신이 아직 예술에 익숙하지 않은 동안. 다른 매체를 더 많이 즐길 수도 있습니다.
어떤 매체를 선택하든 고품질 페인트를 사용하는 것도 중요합니다. 기술에 대한 기초가 마련되면 전문가 수준의 미술 용품에 투자하기 시작하면 작업 품질의 차이를 느낄 수 있습니다.
#2 - 무엇을 그리고 있습니까?
다음으로 스스로에게 물어야 할 질문은 무엇을 그리는 것입니까? 풍경과 정물화는 초보자에게 적합하며 평생 동안 이러한 주제를 고수하는 많은 전문가가 있지만 세상에는 그릴 것이 훨씬 더 많습니다.
추상화를 시도 했습니까? 인상주의는 어떻습니까? 혼합 미디어가 진정한 소명일 수도 있습니다. 문제는 당신이 시도하기 전까지는 결코 알 수 없으며 당신이 정말로 그것을 사랑하고 다른 사람들을 시도하지 않는 한 같은 주제에 집착할 이유가 없다는 것입니다.
모든 전문 예술가는 동일한 주제로 시작했습니다. 일부는 계속해서 그것들을 완성했고 많은 사람들은 기존의 경계를 넘어 모험을 떠났습니다. 그들은 아름다운 산 풍경 밖에서 영감을 찾기 위해 스스로에게 도전했고, 이것은 종종 그들을 다음으로 이끕니다. 자신과 시청자(그리고 궁극적으로 구매자) 모두에게 더 깊은 의미를 지닌 보다 표현적인 그림을 만듭니다.
또한 단순히 사진의 복사본을 그리는 것입니까? 이것은 일반적인 아티스트의 참조이며 깊이, 원근감 및 색상 기술을 연습하는 데 좋지만 장기적으로는 이상적이지 않습니다.
여전히 사진을 꽃이나 풍경에 대한 참조로 사용할 수 있지만 참조용으로만 사용할 수 있습니다. 사진을 복사하는 대신 사진을 사용하여 주제에 대한 자신의 해석을 스케치하십시오. 이것은 아티스트가 성장하면서 배워야 하는 필수 기술입니다.
#3 - 최종 프레젠테이션은 어떻습니까?
전문 예술가는 최종 프레젠테이션이 완성될 때까지 각 그림이 완성되지 않는다는 것을 알고 있습니다. 그들은 또한 그림이 끝날 때까지 기다리지 않고 그것이 벽에 어떻게 걸릴지 생각합니다.
미술 전시회에 충분히 참석하면 전문 예술가들이 표준 캔버스나 종이 크기를 고집하지 않는다는 것을 금세 알 수 있습니다. 그들은 전통적인 표면을 사용하지 않을 수도 있습니다. 이는 크기, 모양 및 질감과 같은 기질이 특정 예술 작품에 대해 신중하게 선택되었기 때문입니다.
다수의 전문 아티스트 자신의 캔버스를 늘리다 또는 예술품 및 공예품 상점에서 찾을 수 없는 크기로 판자를 자릅니다. 한 그림은 정사각형 캔버스에 더 좋을 수 있고 다른 그림은 프레임을 추가할 의도로 긴 직사각형 판에 있어야 합니다. 그것은 예술의 마지막 조각을 시각화하고 처음부터 그 아이디어를 작업하는 것에 관한 것입니다.
프레이밍은 아마추어와 프로가 다른 또 다른 프레젠테이션 영역입니다. 많은 아마추어 화가들은 그림이 작품과 어떻게 작동하는지 거의 고려하지 않고 나중에 생각하기 위해 그림을 액자에 던집니다. 반면에 전문가들은 프레이밍(필요한 경우 매트도 포함)을 매우 신중하게 선택하여 그림을 손상시키지 않습니다.
또한 프레임이 항상 필요한 것은 아닙니다. 'WOW' 요소가 있는 많은 전문 그림이 벽에 맨손으로 매달려 있는 깊은 캔버스 마운트임을 알 수 있습니다.
#4 - 스타일을 개발했습니까?
선택한 매체를 파악하고 주제를 탐색하고 전문적으로 그림을 완성하는 방법을 배웠다면 다음 단계는 개인 스타일을 개발하는 것입니다. 당신의 그림이 다른 모든 그림과 다른 점은 무엇입니까? 당신의 그림은 하나의 작품으로 응집력이 있습니까? 아니면 어디에나 있습니까?
개인 스타일은 테크닉, 매체, 주제와 함께 오고 시간이 지남에 따라 자연스럽게 발전하는 경향이 있습니다. 스타일은 동일한 것을 반복해서 그리거나 모든 캔버스에 동일한 색상 팔레트를 사용한다는 것을 의미하지 않습니다. 그것은 당신의 그림의 모양과 느낌을 나타냅니다.
살바도르 달리(Salvador Dali)는 많은 예술 매체를 탐구했지만 모두 독특한 달리 스타일을 가지고 있습니다. 자신의 스타일을 가진 도자기에 손을 댄 피카소도 마찬가지입니다.
모든 아티스트에게는 스타일이 있으며, 이를 개발하기 시작할 때 비로소 프로가 되는 길에 있다는 사실을 알게 됩니다. 그것을 찾는 열쇠는 당신의 비전을 따르고 예술적 라이센스를 활용하고 페인트, 페인트, 페인트하는 것입니다!
#5 - 당신의 동기는 무엇입니까?
예술가들은 항상 자신의 동기에 대해 이야기합니다. 매일 아침 침대에서 일어나 그림을 그리는 이유는 무엇입니까? 주말마다 작품을 박람회와 쇼에 가져갈 에너지를 어떻게 찾으십니까? 하던 일을 왜 합니까?
프로와 아마추어를 막론하고 모든 예술가에게는 저마다의 동기가 있습니다. 일반적으로 우리 모두는 우리가 하는 일을 하는 것을 좋아하고 창조에서 만족을 얻습니다. 전문 아티스트에게는 그 이상입니다.
어떤 예술가들은 모든 그림에서 깊은 메시지를 전달하기를 원합니다. 다른 사람들은 단순히 자신이 좋아하는 일을 하며 생계를 유지하기를 희망합니다. 그러나 모든 전문 예술가는 자신이 가지다 만들고 계속 하기 위해 필요한 것은 무엇이든 할 것입니다.
반대로 많은 아마추어 예술가들은 영감이 오기를 기다립니다. 기분이 좋지 않으면 캔버스를 쳐다보지 않습니다. 그들은 하루에 다른 활동이 나타나면 그림 그리기를 멈출 수도 있습니다.
프로는 진행 중인 작업에서 쉽게 주의가 산만해지거나 흩어지지 않으며, 언젠가는 스튜디오에서 그들을 빼내는 데 자연 재해가 걸릴 수도 있습니다. 헌신은 그들의 주요 동기이며 그들은 계속 일해야 하고, 침대에서 일어나야 하고, 가능한 한 많이 그림을 그려야 한다는 것을 알고 있습니다.
전문 예술가들은 다음 그림에 대한 영감을 끊임없이 찾고 있습니다. 그들은 또한 다음 그림이 마지막 그림보다 더 나을 것이며 항상 개선의 여지가 있다는 것을 알고 있습니다. 이것은 그들을 흥분시킵니다.
#6 - 예술 커뮤니티에서 활동하고 있습니까?
예술은 스튜디오에서 혼자 몇 시간, 몇 주를 보내는 매우 고독한 삶이 될 수 있습니다. 그러나 모든 훌륭한 예술가는 언젠가는 세상 밖으로 나와야 한다는 것을 알고 있습니다. 영감은 결국 어디에서 오는지 말입니다.
갤러리 쇼, 아트 페어 및 지역 예술 단체는 예술가들이 다른 예술가들과 연락할 수 있도록 합니다. 많은 예술가들은 오프닝 리셉션을 자신의 작업에 필수적이라고 생각하고 심지어 회사 소풍의 대용품으로 볼 수도 있습니다. 예술 커뮤니티의 다른 예술가 및 전문가와 교류할 수 있는 기회입니다.
많은 전문 예술가들은 외롭거나 경쟁적이기보다는 다른 예술가들과의 대화를 기대합니다. 메모를 비교하고 최근 일이나 지인에 대해 이야기하며 서로를 응원합니다.
많은 도시와 마을에는 활기차고 활동적인 예술 커뮤니티가 있으며 이것은 아마추어 예술가가 돌파해야 하는 장벽 중 하나입니다. 수줍음이 많거나 현장을 처음 접하는 경우 예술 행사에 참석하고 그늘에 서서 다른 예술가들이 어떻게 상호 작용하는지 지켜보십시오. 존경하는 화가에게 자신을 소개하거나 대화를 시작하기 위해 잡담을 해보세요.
성공적인 예술가들은 그들의 성공이 그들의 작품의 질이나 그것이 얼마나 저렴한가에 달려 있지 않다는 것을 알고 있습니다. 개성은 예술 커뮤니티와 구매자에게도 큰 역할을 합니다. 당신이 재미있을수록 당신의 예술은 더 잘 받아들여집니다. 많은 예술가들은 이것으로 어려움을 겪고 타고난 내성적이지만 시간이 지남에 따라 더 외향적이 되는 법을 배웁니다.
#7 - 예술을 '직업'으로 볼 준비가 되셨습니까?
전문 예술가들이 가지고 있는 특정한 직업 윤리가 있습니다. 그들의 예술이 전일제 직업이든, 퇴근 후 시간제 작업이든 상관없이 그들은 여전히 그 예술을 이해합니다. ~이다 일하고 그들은 그것을 그렇게 취급합니다. 정말 멋진 작업이지만 그럼에도 불구하고 작업입니다.
전문 예술가가 되는 것에는 단순히 사람들이 살 수 있는 훌륭한 예술 작품을 만드는 것 이상의 것이 있습니다. 누구든지 구매하기 전에 그것에 대해 알아야 합니다.
이것은 예술가가 자신을 마케팅하고 갤러리, 박물관 및 아트 페어에서 자신의 작품을 보여야 함을 의미합니다. 그들은 응용 프로그램과 제안을 완료하고, 작업 가격을 책정하고, 비용을 관리하고, 퍼즐의 각 조각에 들어가는 모든 요소를 계획해야 합니다.
게다가 누군가는 스튜디오 욕실을 청소해야 합니다. 유지 관리할 웹사이트와 컴퓨터, 온라인으로 작업을 보여주기 위해 촬영할 사진, 그리고 누군가가 스튜디오에 페인트나 캔버스(또는 커피)가 떨어지지 않도록 해야 합니다.
많은 예술가들은 이 모든 작업을 혼자서 또는 소수의 가족, 친구 또는 비정기적으로 보조나 대리인의 도움을 받아 수행합니다. 그것은 많은 작업이며 작품을 만드는 것보다 자신의 예술을 판매하는 것과 관련된 일상적인 작업에 더 많은 시간을 보내는 꽤 많은 예술가를 만나게 될 것입니다.
왜요? 왜냐하면 당신이하지 않으면 팔다 돈이없는 당신의 일 만들다 더 많은 예술!
이것이 전문 예술가의 현실이며 인생에서 가장 쉬운 길이 아닙니다. 많은 사람들이 장애물에 부딪히지만 동기 부여를 유지하기 위해 크고 작은 성공을 종종 찾습니다.
모든 아티스트가 하루 8시간 동안 단순히 창작하거나 커피숍에 들러서 좋아할 만큼 매일 오후, 현실은 그것이 비즈니스이고 꽤 자주 전체를 운영하는 것은 예술가에게 달려 있다는 것입니다. 물건.
전문 예술가는 시간 관리와 조직의 대가가 되어야 하기 때문입니다. 하루 종일 방황하는 날렵한 예술가가 때때로 캔버스에 붓을 휘두른다는 개념은 신화입니다.
프로가 될 준비가 되셨습니까?
다시 말하지만, 그것은 어려운 질문이고 당신만이 대답할 수 있는 질문입니다. 전문 예술가의 삶은 장밋빛이고 훌륭하거나 굶주리며 보낸다는 오해가 있습니다. 둘 중 어느 것도 완전히 정확하지 않으며 두 명의 아티스트가 동일하지 않습니다.
전문적인 예술 경력을 추구하든 아니든 계속 창작하십시오. 다른 취미로는 얻을 수 없는 그림을 그리면서 개인적인 만족감을 느끼실 수 있습니다. 낙심하지 말고 그냥 칠하십시오!
