Til den tilfeldige observatøren, verden av kunsten kan virke utilnærmelig.
Når du ser på et maleri, ser en ballett, eller hører en klassisk konsert, kan allmennheten og kunstentusiaster vil ha en følelsesmessig respons, men de forstår kanskje ikke hvordan disse verkene var opprettet.
Mange tror at talent, flaks og geni er ansvarlig for å få høy kunst til å bli til. Selv om disse definitivt spiller en rolle, er de ikke hele historien. Selv om det kan gå ubemerket av mindre trente øyne, er all kunst underbygget av et felles grunnlag: prinsipper for design, som varierer etter disiplin.
Dansere læres opp til å opptre i takt med sine medutøvere, slik at de beveger seg som en enhet. Malere og annet billedkunstnere lære å manipulere elementer av perspektiv, komposisjon og bruk av lys eller skygge.
Klassiske musikere studerer regler for harmoni og musikalsk form; de lærer hvordan de oppnår god intonasjon og beveger kroppen på måter som produserer ønsket lyd.
En solid forståelse av de underliggende designprinsippene til håndverket ditt er avgjørende for å utvikle seg til en sofistikert, moden kunstner. Musikken til
I hver kunstnerisk disiplin, kunnskap om og respekt for kjerneprinsippene i ens fag er innpodet fra de tidligste nivåene og brukes kontinuerlig som grunnlag for å bygge til mer avanserte nivåer av mestring.
Både studenter og fagfolk bruker disse etablerte kjernefilosofier å informere om arbeidet deres på daglig basis, selv på de høyeste stadier av karrieren.
På tvers av kunstformer er de fleste av disse prinsippene knyttet til tekniske aspekter ved hvordan du bør utføre en spesiell bevegelse eller penselstrøk, eller hvor du skal plassere et bestemt emne eller notat, i stedet for til estetisk begreper.
Dermed er det lett å se dem på en stiv måte, snarere enn som en støttende ramme. Likevel, når du går videre i håndverket ditt, ser du at hver kunstner har sin egen tolkning av prinsippene; dette er det som gjør at hvert kunstverk og hver kunstner kan være forskjellig fra en annen.
Ved å mestre tekniske bekymringer og kontinuerlig finpusse teknikken din, vil du lære å manipulere regler på din egen måte, og dette vil gi mening, særpreg og personlig uttrykk til din arbeid. Bach, Beethoven og alle de store mesterne perfeksjonerte og bøyde deretter reglene; slik vil du også bli en unik, minneverdig artist.
Visuell kunst som å tegne kan være spesielt vanskelig, siden du må representere tredimensjonale elementer på en todimensjonal overflate. Men å følge visse prinsipper, selv som nybegynner, vil hjelpe kunsten din til å være overbevisende og uttrykksfull med mindre frustrasjon og innsats. La oss ta en titt på noe av det grunnleggende designteknikker som er avgjørende for alle som tegner.
Komposisjon
Komposisjon er utformingen av alle elementene i tegningen din. Form, linje, farge, tone og rom er alle en del av dette.
Før du begynner å tegne, er det best å lage foreløpige skisser og planlegge hva du vil tegne. Når du har gjort dette, er formen det første du må tenke på for tegningen. Fra starten av må du etablere den generelle store formen (konturene) for hele tegningen.
Du bør først begynne å jobbe med de mindre formene til individuelle objekter etter at du er fornøyd med at du har formidlet konturen du ønsker. Å prøve å tegne de mindre formene først vil bare føre til frustrasjon; arbeidet ditt vil mangle definisjon og ikke være så overbevisende som det kunne vært. Med andre ord, ignorer detaljer til du får det grunnleggende riktig!
Linje er måten du leder en betrakter gjennom maleriet ditt.Horisontale linjer, som de i landskapstegninger, formidler vanligvis en fredelig følelse; diagonale linjer kan legge til spenning. Generelt gir kurver en mye mer naturlig, behagelig følelse enn rette linjer; de gir også stykket ditt en god følelse av bevegelse, slik at det ser mer realistisk ut.
Farge handler selvfølgelig om hvilke farger du bruker i paletten din. Det handler også om intensitet - du må ta et valg om hvordan mettet (levende) eller subtile du vil at fargene skal være, og om du vil bruke dem til å uttrykke ideen om lys eller mørkt.
Tone, også kalt skyggelegging eller "verdi", er direkte relatert til farge. Du kan bruke skyggelegging for å lage skygger i arbeidet ditt (som skygger skapt av solen i et landskap, for eksempel). Dette vil tillate arbeidet ditt å virke tredimensjonalt og gi betrakteren en følelse av dybde.
For at kunsten din skal fungere, må du også vurdere plassbruken din.
Tenk på hvor mye plass du vil ha mellom elementene i tegningen din (kjent som negativ plass) og hvor mye plass du vil at objektene i tegningen skal fylle (positivt mellomrom). Dette vil variere avhengig av hva slags tegning du lager.
I vestlig kunst er det negative rommet ofte fylt ut med farger eller til og med skyggelegging, men noen Asiatisk kunst etterlater det tomme, hvite rommet på selve papiret rundt det sentrale objektet; dette kan også være veldig effektivt.
En ting å huske, ikke legg like mye negativt mellomrom mellom hvert element i stykket ditt - for å holde ting interessant, er det viktig å variere formen og størrelsen på det negative rommet.
Balanse og enhet
Balanse og samhold anses som kjennetegnene på "god" konvensjonell kunst. Det er noen gylne regler, alle utprøvde av de store artistene, som du kan bruke for å finne balanse i dine egne stykker.
Men først, noen generelle tips som vil gjøre det lettere å følge de gylne reglene. Det er viktig at det er et hovedområde av interesse og fokus i tegningen din, slik at betrakteren vet hva han skal se på og ikke blir distrahert av for mange små elementer.
Plasser det mest fremtredende motivet litt utenfor midten i arbeidet ditt for å gi en fin flyt for betrakteren, og sørg for at det vender inn i tegningen, ikke ut av bildet.
Pass på å ikke kutte maleriet direkte i to, verken vertikalt eller horisontalt, da dette kan se mindre realistisk ut. Hvis du bruker en horisontlinje i arbeidet ditt, sørg for at den ikke er i midten av bildet – sted den enten høy eller lav, slik at den viser mer "himmel" eller mer "bakke", avhengig av hva du er tegning.
Og nå, den gylne regler.Den første gylne regelen er tredjedelsregel, og det er faktisk relatert til selve den gyldne middelvei. Den gyldne middelvei, eller det gyldne snitt, har ledet klassiske kunstnere i århundrer. Den sier at elementene i et kunstverk skal plasseres slik at hvert element er i en proporsjon på 1 til 1,618 (rundt 3 til 5) i forhold til et hvilket som helst annet element. Tredjedelsregelen er en forenklet versjon av gylne snitt.
For å følge den, del tegningen inn i et rutenett med 3 kolonner og rader, alle like store. Plasser hovedemnet og mindre områder av interesse i nærheten av en av linjene på rutenettet ditt, og hvis du kan, mål å plassere dem i skjæringspunktet mellom rutenettets rader og kolonner. Dette vil enkelt skape en ideell balanse i tegningen din, siden det tvinger deg til å unngå å plassere viktige elementer i områder som visuelt vil kutte stykket i to, og stoppe betrakterens øyne.
I likhet med tredjedelsregelen oddsregel er også basert på oddetall. For å oppnå en realistisk tegning, bør du ha et oddetall av emner i stykket ditt, som 1 eller 3, i stedet for et partall. Hvis du bare har ett hovedfokuspunkt, legg et jevnt antall gjenstander rundt det; på den måten vil du ende opp med et merkelig antall elementer i arbeidet ditt, noe som generelt sett er mer behagelig for øyet. Som med den forrige regelen hjelper tredjedelsregelen deg med å unngå å kutte arbeidet rett ned i midten.
For å forene arbeidet ditt, er repetisjon av noen elementer nøkkelen. Du kan for eksempel velge et symbol eller motiv og gjenta det i visse områder av tegningen, kanskje i en annen farge eller i en mindre størrelse. Dette etablerer et mønster i stykket ditt og hjelper det til å gi mening for betrakteren. Det er imidlertid viktig å ikke overbruke dette, siden du også vil ha variasjon i arbeidet ditt.
Perspektiv
Å utvikle perspektiv er en grunnleggende ferdigheter i kunst, og det er det som gir arbeidet ditt en følelse av dybde og avstand. I tegning holder perspektiv at objekter blir mindre når de går mot bakgrunnen til et bilde, mens større objekter er i forgrunnen (forsiden) av bildet.
Lineær og luftperspektiv er begge viktige for artister. Lineært perspektiv kan deles inn i 1-punkts, 2-punkts eller 3-punkts perspektiv. 1-punkts perspektiv er det enkleste stedet å starte. For å bruke den trenger du bare en utsikt og et fast punkt.
Hvis du tegner en kirke, vil utsikten være det du ser foran deg med hodet rett, og det faste punktet kan være hva du velger, som en statue foran deg. Du vil rette betrakterens øyne til statuen ved å bruke to ting: et forsvinningspunkt, og en horisontlinje. Forsvinningspunktet kan være et hvilket som helst punkt i det fjerne som øynene dine hviler på naturlig i en kirke, det kan være et punkt på en fjern vegg.
Ditt forsvinningspunkt er integrert i horisontlinjen din, som er en lang, flat horisontal linje av himmelen (eller bakken, når innendørs) som vil strekke seg til venstre og høyre for tegningen din og til og med ut av bildet. Perspektiv er et ganske komplekst verktøy og tar mange forskjellige former, men dette er det grunnleggende for å etablere ettpunktsperspektiv, som gir dimensjon og et naturlig utseende til arbeidet ditt.
De essensielle tegneelementene komposisjon, balanse, enhet og perspektiv finnes i alle kunstformer. Selv om dansere og musikere vil ha andre definisjoner og tilnærminger til disse elementene enn billedkunstnere har, danner de en felles kjerne mellom alle kunstneriske disipliner.
Uansett fagfelt, vil følge disse grunnleggende prinsippene sikre at arbeidet ditt er profesjonelt, ikke amatør, og at stykkene dine uttrykker din personlighet og tydelig kommuniserer budskapet ditt til din publikum.
