Para o observador casual, o mundo de as artes pode parecer inacessível.
Ao olhar para uma pintura, assistir a um balé ou ouvir um concerto clássico, o público em geral e entusiastas das artes terão uma resposta emocional, mas podem não entender como essas obras eram criada.
Muitas pessoas acreditam que o talento, a sorte e a genialidade são responsáveis por fazer surgir a arte erudita. Embora eles definitivamente tenham um papel, não são toda a história. Embora possa passar despercebido por olhos menos treinados, todas as artes são sustentadas por um fundamento comum: princípios de design, que variam de acordo com a disciplina.
Os dançarinos são ensinados a atuar em sincronia com seus colegas intérpretes, de modo que se movam como uma unidade. Pintores e outros artistas visuais aprender a manipular elementos de perspectiva, composição e uso de luz ou sombra.
Estudam músicos clássicos regras de harmonia e forma musical; eles aprendem como conseguir uma boa entonação e mover seus corpos de forma a produzir o som desejado.
Uma compreensão sólida dos princípios básicos de design de seu ofício é essencial para se tornar um artista maduro e sofisticado. A musica de Bach e Beethoven não existiriam sem seu domínio total das regras de harmonia; Monet e Vermeer não seriam celebrados se não fosse por seu controle total da perspectiva e do uso da luz em suas pinturas.
Em tudo disciplina artística, o conhecimento e o respeito pelos princípios básicos do assunto são instilados desde os primeiros níveis e são continuamente usados como base para a construção de níveis mais avançados de domínio.
Estudantes e profissionais usam esses filosofias centrais para informar seu trabalho no dia a dia, mesmo nas fases mais altas de suas carreiras.
Em todas as formas de arte, a maioria desses princípios está relacionada a aspectos técnicos de como você deve executar um movimento ou pincelada particular, ou onde colocar um assunto ou nota particular, ao invés de estética conceitos.
Portanto, é fácil vê-los de uma forma rígida, em vez de uma estrutura de suporte. No entanto, conforme você avança em seu ofício, você vê que cada artista tem sua própria interpretação dos princípios; é isso que permite que cada obra e cada artista sejam diferentes uns dos outros.
Ao dominar as questões técnicas e refinar continuamente sua técnica, você aprenderá a manipular o regras do seu próprio jeito, e isso dará significado, distinção e expressão pessoal ao seu trabalhar. Bach, Beethoven e todos os grandes mestres aperfeiçoaram e então distorceram as regras; é assim que você também se tornará um artista único e memorável.
Artes visuais como desenhar pode ser especialmente difícil, pois você tem que representar elementos tridimensionais em uma superfície bidimensional. Mas, seguir certos princípios, mesmo como um iniciante, ajudará sua arte a ser convincente e expressiva com menos frustração e esforço. Vamos dar uma olhada em alguns dos fundamentos técnicas de design essenciais para quem desenha.
Composição
Composição é o layout de todos os elementos em seu desenho. Forma, linha, cor, tom e espaço fazem parte disso.
Antes de começar a desenhar, é melhor fazer esboços preliminares e planejar o que deseja desenhar. Depois de fazer isso, a primeira coisa que você precisa pensar para o seu desenho é a forma. Desde o início, você precisa estabelecer a forma geral grande (contornos) para todo o desenho.
Você só deve começar a trabalhar nas formas menores de objetos individuais depois de estar satisfeito de ter transmitido o contorno desejado. Tentar desenhar as formas menores primeiro só levará à frustração; seu trabalho terá falta de definição e não será tão convincente quanto poderia ser. Em outras palavras, ignore os detalhes até acertar o básico!
Linha é a maneira como você orienta o observador em sua pintura.Linhas horizontais, como aqueles em desenhos de paisagens, geralmente transmitem uma sensação de paz; linhas diagonais podem adicionar tensão. Em geral, as curvas dão uma sensação muito mais natural e agradável do que as linhas retas; eles também dão à sua peça um bom senso de movimento, por isso parece mais realista.
A cor, é claro, lida com as cores que você usa em sua paleta. É também uma questão de intensidade - você precisa fazer uma escolha de como saturado (vivas) ou sutis que você deseja que as cores sejam, e se deseja usá-las para expressar a ideia de claro ou escuro.
O tom, também chamado de sombreamento ou “valor”, está diretamente relacionado à cor. Você pode usar sombreamento para criar sombras em seu trabalho (como sombras criadas pelo sol em uma paisagem, por exemplo). Isso permitirá que seu trabalho pareça tridimensional e dará ao observador uma sensação de profundidade.
Para que sua arte funcione, você também precisa considerar o uso do espaço.
Pense em quanto espaço você gostaria entre os elementos em seu desenho (conhecido como espaço negativo) e quanto espaço você gostaria que os objetos em seu desenho preenchessem (espaço positivo). Isso irá variar dependendo do tipo de desenho que você está fazendo.
Na arte ocidental, o espaço negativo é frequentemente preenchido com cores ou mesmo sombras, mas alguns Arte asiática deixa o espaço em branco do próprio papel em torno do objeto central; isso também pode ser muito eficaz.
Uma coisa a lembrar, não coloque a mesma quantidade de espaço negativo entre cada elemento em sua peça - para manter as coisas interessantes, é importante variar a forma e o tamanho do espaço negativo.
Equilíbrio e Unidade
Equilíbrio e unidade são considerados as marcas de "bom" arte convencional. Existem algumas regras de ouro, todas experimentadas e testadas por grandes artistas, que você pode usar para encontrar o equilíbrio em suas próprias peças.
Mas, primeiro, algumas dicas gerais que ajudarão a tornar mais fácil seguir as regras de ouro. É importante que haja uma área principal de interesse e foco em seu desenho, para que o visualizador saiba o que olhar e não se distraia com muitos elementos pequenos.
Coloque o assunto mais proeminente ligeiramente fora do centro em seu trabalho para dar um bom fluxo para o visualizador e certifique-se de que ele esteja voltado para o desenho, não fora da foto.
Certifique-se de não cortar sua pintura diretamente pela metade, vertical ou horizontalmente, pois isso pode parecer menos realista. Se você estiver usando uma linha do horizonte em seu trabalho, certifique-se de que não esteja no centro da imagem - coloque seja alto ou baixo para mostrar mais "céu" ou mais "solo", dependendo do que você está desenhando.
E agora, o regras de ouro.A primeira regra de ouro é a regra dos terços, e, na verdade, está relacionado ao próprio meio-termo. O meio áureo, ou proporção áurea, guiou os artistas clássicos por séculos. Afirma que os elementos de uma obra de arte devem ser colocados de forma que cada elemento esteja na proporção de 1 a 1,618 (cerca de 3 a 5) em relação a qualquer outro elemento. A regra dos terços é uma versão simplificada do média de ouro.
Para segui-lo, divida seu desenho em uma grade de 3 colunas e linhas, todas do mesmo tamanho. Coloque o assunto principal e as áreas de interesse menores próximas a uma das linhas da grade e, se puder, tente colocá-los na interseção das linhas e colunas da grade. Isso criará facilmente um equilíbrio ideal em seu desenho, pois o obriga a evitar colocar elementos importantes em áreas que cortariam visualmente a peça ao meio, parando os olhos do observador.
Como a regra dos terços, o regra de probabilidades também se baseia em números ímpares. Para obter um desenho realista, você deve ter um número ímpar de assuntos em sua peça, como 1 ou 3, em vez de um número par. Se você tiver apenas um ponto focal principal, coloque um número par de itens ao seu redor; assim, você acabará com um número ímpar de elementos em seu trabalho, o que geralmente é mais agradável à vista. Como na regra anterior, a regra dos terços ajuda a evitar o corte do trabalho diretamente no centro.
Para unificar seu trabalho, a repetição de alguns elementos é fundamental. Por exemplo, você pode escolher um símbolo ou motivo e repeti-lo em certas áreas do desenho, talvez em uma cor diferente ou em um tamanho menor. Isso estabelece um padrão em sua peça e ajuda a fazer sentido para o visualizador. No entanto, é importante não abusar disso, pois você também deseja variedade em seu trabalho.
Perspectiva
Perspectiva de desenvolvimento é um habilidade fundamental na arte, e é o que dá ao seu trabalho uma sensação de profundidade e distância. No desenho, a perspectiva sustenta que os objetos ficam menores à medida que vão em direção ao fundo de uma imagem, enquanto objetos maiores estão no primeiro plano (frente) da imagem.
Linear e perspectiva aérea são importantes para os artistas. Perspectiva linear pode ser dividido em perspectiva de 1 ponto, 2 pontos ou 3 pontos. A perspectiva de um ponto é o lugar mais simples para começar. Para utilizá-lo, você só precisa de uma vista e de um ponto fixo.
Se você estiver desenhando uma igreja, sua visão será o que você vê à sua frente com a cabeça reta, e o ponto fixo pode ser o que você escolher, como uma estátua à sua frente. Você vai direcionar os olhos do visualizador para a estátua usando duas coisas: um ponto de fuga, e uma linha do horizonte. O ponto de fuga pode ser qualquer ponto distante em que seus olhos pousem naturalmente em uma igreja, pode ser um ponto em uma parede distante.
Seu ponto de fuga é incorporado em sua linha do horizonte, que é uma linha horizontal longa e plana do céu (ou solo, quando dentro de casa) que se estenderá à esquerda e à direita do desenho e até mesmo fora da foto. A perspectiva é uma ferramenta bastante complexa e assume muitas formas diferentes, mas essas são as bases para estabelecer uma perspectiva de um ponto, que dá dimensão e uma aparência natural ao seu trabalho.
Os elementos essenciais de desenho de composição, equilíbrio, unidade e perspectiva são encontrados em todas as formas de arte. Embora dançarinos e músicos tenham definições e abordagens diferentes para esses elementos do que os artistas visuais, eles formam um núcleo comum entre todas as disciplinas artísticas.
Seja qual for o seu campo, seguir estes princípios fundamentais irá garantir que seu trabalho seja profissional, não amador, e que suas peças expressam sua personalidade e comunicam claramente sua mensagem ao seu público.
