Für den zufälligen Beobachter, die Welt von Die Künste kann unnahbar erscheinen.
Beim Betrachten eines Gemäldes, beim Anschauen eines Balletts oder beim Hören eines klassischen Konzerts ist die breite Öffentlichkeit und Kunstbegeisterte werden eine emotionale Reaktion haben, aber sie verstehen möglicherweise nicht, wie diese Werke waren erstellt.
Viele Leute glauben, dass Talent, Glück und Genie dafür verantwortlich sind, dass hohe Kunst entsteht. Während diese definitiv eine Rolle spielen, sind sie nicht die ganze Geschichte. Auch wenn es für weniger geschulte Augen unbemerkt bleiben mag, alle Künste werden von einem gemeinsamen Fundament getragen: Gestaltungsprinzipien, die je nach Disziplin variieren.
Den Tänzern wird beigebracht, im Takt mit ihren Mitkünstlern aufzutreten, so dass sie sich als eine Einheit bewegen. Maler und andere bildende Künstler lernen, Elemente von. zu manipulieren Perspektive, Komposition und die Verwendung von Licht oder Schatten.
Klassische Musiker studieren
Ein solides Verständnis der zugrunde liegenden Gestaltungsprinzipien Ihres Handwerks ist unerlässlich, um sich zu einem anspruchsvollen, reifen Künstler zu entwickeln. Die Musik von Bach und Beethoven würde ohne ihre völlige Beherrschung der Harmonieregeln nicht existieren; Monet und Vermeer würde nicht gefeiert werden, wenn sie nicht die volle Kontrolle über die Perspektive und den Einsatz von Licht in ihren Bildern hätten.
In jedem künstlerische Disziplin, Wissen über und Respekt für die Kernlehren des eigenen Fachs werden von den frühesten Niveaus an vermittelt und werden kontinuierlich als Grundlage für den Aufbau auf fortgeschritteneren Niveaus der Beherrschung verwendet.
Sowohl Studenten als auch Berufstätige nutzen diese etablierten Kernphilosophien ihre Arbeit täglich zu informieren, auch auf den höchsten Stufen ihrer Karriere.
In allen Kunstformen beziehen sich die meisten dieser Prinzipien auf technische Aspekte, wie Sie ein einer bestimmten Bewegung oder einem Pinselstrich, oder wo ein bestimmtes Thema oder eine Notiz platziert werden soll, anstatt ästhetisch Konzepte.
Daher ist es leicht, sie in einer starren Weise zu sehen, anstatt als unterstützendes Gerüst. Wenn Sie jedoch in Ihrem Handwerk voranschreiten, sehen Sie, dass jeder Künstler seine eigene Interpretation der Prinzipien hat; Dies ermöglicht es jedem Kunstwerk und jedem Künstler, sich von anderen zu unterscheiden.
Indem Sie technische Probleme beherrschen und Ihre Technik ständig verfeinern, lernen Sie, die Regeln auf Ihre eigene Art und Weise, und dies verleiht Ihrem Arbeit. Bach, Beethoven und all die großen Meister haben die Regeln perfektioniert und dann verbogen; So werden Sie auch zu einem einzigartigen, unvergesslichen Künstler.
Bildende Kunst wie Zeichnen kann besonders schwierig sein, da man darstellen muss dreidimensionale Elemente auf einer zweidimensionalen Fläche. Wenn Sie jedoch selbst als Anfänger bestimmte Prinzipien befolgen, wird Ihre Kunst mit weniger Frustration und Aufwand überzeugend und ausdrucksstark sein. Werfen wir einen Blick auf einige der Grundlagen Designtechniken die für jeden, der zeichnet, unentbehrlich sind.
Komposition
Komposition ist das Layout aller Elemente in Ihrer Zeichnung. Form, Linie, Farbe, Ton und Raum gehören dazu.
Bevor Sie mit dem Zeichnen beginnen, machen Sie am besten erste Skizzen und planen Sie, was Sie zeichnen möchten. Sobald Sie dies getan haben, müssen Sie als Erstes für Ihre Zeichnung an die Form denken. Von Anfang an müssen Sie die große Gesamtform (Konturen) für Ihre gesamte Zeichnung festlegen.
Sie sollten erst dann mit der Arbeit an den kleineren Formen einzelner Objekte beginnen, wenn Sie sicher sind, dass Sie die gewünschte Kontur vermittelt haben. Der Versuch, zuerst die kleineren Formen zu zeichnen, führt nur zu Frustration; Ihrer Arbeit wird es an Definition mangeln und sie wird nicht so überzeugend sein, wie sie sein könnte. Mit anderen Worten, ignorieren Sie Details, bis Sie die Grundlagen richtig verstanden haben!
Leitung ist die Art und Weise, wie Sie einen Betrachter durch Ihr Gemälde führen.Horizontale Linien, vermitteln wie in Landschaftszeichnungen normalerweise ein friedliches Gefühl; diagonale Linien können Spannung erzeugen. Im Allgemeinen vermitteln Kurven ein viel natürlicheres, angenehmeres Gefühl als gerade Linien; Sie verleihen Ihrem Stück auch ein gutes Bewegungsgefühl, sodass es realistischer aussieht.
Farbe beschäftigt sich natürlich damit, welche Farben Sie in Ihrer Palette verwenden. Es geht auch um Intensität – Sie müssen eine Entscheidung treffen, wie gesättigt (lebendig) oder dezent, wie Sie die Farben haben möchten und ob Sie sie verwenden möchten, um die Idee von Hell oder Dunkel auszudrücken.
Ton, auch Schattierung oder „Wert“ genannt, steht in direktem Zusammenhang mit Farbe. Sie können Schattierung verwenden, um in Ihrer Arbeit Schatten zu erzeugen (wie beispielsweise Schatten, die von der Sonne in einer Landschaft erzeugt werden). Dies lässt Ihre Arbeit dreidimensional erscheinen und gibt dem Betrachter ein Gefühl von Tiefe.
Damit Ihre Kunst funktioniert, müssen Sie auch Ihre Raumnutzung berücksichtigen.
Überlegen Sie, wie viel Platz Sie zwischen den Elementen in Ihrer Zeichnung haben möchten (bekannt als negativer Raum) und wie viel Platz die Objekte in Ihrer Zeichnung einnehmen sollen (positiver Platz). Dies hängt davon ab, welche Art von Zeichnung Sie ausführen.
In der westlichen Kunst wird der Negativraum oft mit Farbe oder sogar Schattierungen ausgefüllt, aber manche Asiatische Kunst lässt den leeren, weißen Raum des Papiers selbst um das zentrale Objekt herum; das kann auch sehr effektiv sein.
Denken Sie daran, dass Sie nicht die gleiche Menge an Negativraum zwischen jedem Element in Ihrem Stück einfügen – um die Dinge interessant zu halten, ist es wichtig, die Form und Größe des Negativraums zu variieren.
Gleichgewicht und Einheit
Gleichgewicht und Einheit gelten als Kennzeichen von "gut" konventionelle Kunst. Es gibt einige goldene Regeln, die alle von den großen Künstlern erprobt wurden und die Sie verwenden können, um die Balance in Ihren eigenen Stücken zu finden.
Aber zuerst einige allgemeine Tipps, die das Befolgen der goldenen Regeln erleichtern. Es ist wichtig, dass in Ihrer Zeichnung ein Hauptinteresse und Fokus vorhanden ist, damit der Betrachter weiß, was er sich ansehen muss und nicht von zu vielen kleinen Elementen abgelenkt wird.
Platzieren Sie Ihr prominentestes Motiv in Ihrer Arbeit leicht außermittig, um dem Betrachter einen schönen Fluss zu geben, und stellen Sie sicher, dass es in die Zeichnung zeigt und nicht aus Ihrem Bild heraus.
Achte darauf, dein Gemälde weder vertikal noch horizontal in zwei Hälften zu schneiden, da dies weniger realistisch aussehen kann. Wenn Sie in Ihrer Arbeit eine Horizontlinie verwenden, stellen Sie sicher, dass sie sich nicht in der Mitte des Bildes befindet es entweder hoch oder niedrig, so dass es mehr "Himmel" oder mehr "Boden" zeigt, je nachdem, was du bist Zeichnung.
Und jetzt, die goldene Regeln.Die erste goldene Regel ist die Drittelregel, und es hängt tatsächlich mit der goldenen Mitte selbst zusammen. Die goldene Mitte oder der goldene Schnitt hat klassische Künstler seit Jahrhunderten geleitet. Es besagt, dass die Elemente eines Kunstwerks so platziert werden sollten, dass jedes Element in einem Verhältnis von 1 zu 1,618 (etwa 3 zu 5) im Verhältnis zu jedem anderen Element steht. Die Drittelregel ist eine vereinfachte Version der goldene Mitte.
Um es zu verfolgen, Teilen Sie Ihre Zeichnung in ein Raster von 3 Spalten und Reihen auf, die alle gleich groß sind. Platzieren Sie Ihr Hauptthema und kleinere Bereiche von Interesse in der Nähe einer der Linien in Ihrem Raster, und wenn Sie können, versuchen Sie, sie am Schnittpunkt der Zeilen und Spalten des Rasters zu platzieren. Dies wird leicht ein ideales Gleichgewicht in Ihrer Zeichnung schaffen, da es Sie zwingt, wichtige Elemente nicht in Bereichen zu platzieren, die das Stück visuell in zwei Hälften schneiden und die Augen des Betrachters stoppen würden.
Wie die Drittelregel, die Quotenregel basiert auch auf ungeraden Zahlen. Um eine realistische Zeichnung zu erzielen, sollten Sie eine ungerade Anzahl von Themen in Ihrem Stück haben, z. B. 1 oder 3, anstatt einer geraden Zahl. Wenn Sie nur einen Schwerpunkt haben, lege eine gerade Anzahl von Gegenständen darum herum; Auf diese Weise erhalten Sie eine ungerade Anzahl von Elementen in Ihrer Arbeit, was im Allgemeinen für das Auge angenehmer ist. Wie bei der vorherigen Regel hilft Ihnen die Drittelregel, Ihre Arbeit nicht direkt in der Mitte zu schneiden.
Um Ihre Arbeit zu vereinheitlichen, ist die Wiederholung einiger Elemente der Schlüssel. Sie können zum Beispiel ein Symbol oder ein Motiv auswählen und es in bestimmten Bereichen Ihrer Zeichnung wiederholen, vielleicht in einer anderen Farbe oder in einer kleineren Größe. Dies erstellt ein Muster in Ihrem Stück und hilft, dem Betrachter einen Sinn zu geben. Es ist jedoch wichtig, dies nicht zu übertreiben, da Sie auch Abwechslung in Ihrer Arbeit haben möchten.
Perspektive
Perspektive entwickeln ist ein grundlegende Kunstfertigkeit, und es gibt Ihrer Arbeit ein Gefühl von Tiefe und Distanz. Beim Zeichnen gilt die Perspektive, dass Objekte kleiner werden, wenn sie sich zum Hintergrund eines Bildes hin bewegen, während sich größere Objekte im Vordergrund (vorne) des Bildes befinden.
Linear und Aerial Perspektive sind beide für Künstler wichtig. Geradlinige Perspektive kann in 1-Punkt-, 2-Punkt- oder 3-Punkt-Perspektive unterteilt werden. Die 1-Punkt-Perspektive ist der einfachste Ausgangspunkt. Um es zu verwenden, benötigen Sie nur eine Ansicht und einen Fixpunkt.
Wenn Sie eine Kirche zeichnen, ist Ihre Ansicht das, was Sie mit geradem Kopf vor sich sehen, und der Fixpunkt kann beliebig sein, wie eine Statue vor Ihnen. Sie werden den Blick des Betrachters durch zwei Dinge auf die Statue lenken: ein Fluchtpunkt, und eine Horizontlinie. Der Fluchtpunkt kann ein beliebiger Punkt in der Ferne sein, auf dem Ihre Augen in einer Kirche auf natürliche Weise zur Ruhe kommen, es könnte ein Punkt an einer entfernten Wand sein.
Ihr Fluchtpunkt ist in Ihre Horizontlinie integriert, Dies ist eine lange, flache horizontale Linie des Himmels (oder des Bodens, wenn Sie drinnen sind), die sich links und rechts von Ihrer Zeichnung und sogar aus Ihrem Bild erstreckt. Die Perspektive ist ein ziemlich komplexes Werkzeug und nimmt viele verschiedene Formen an, aber dies sind die Grundlagen für die Etablierung einer Ein-Punkt-Perspektive, die Ihrer Arbeit Dimension und ein natürliches Aussehen verleiht.
Die wesentlichen zeichnerischen Elemente Komposition, Balance, Einheit und Perspektive finden sich in allen Kunstformen. Obwohl Tänzer und Musiker andere Definitionen und Herangehensweisen an diese Elemente haben werden als bildende Künstler, bilden sie einen gemeinsamen Kern aller künstlerischen Disziplinen.
Unabhängig von Ihrem Fachgebiet wird die Befolgung dieser grundlegenden Prinzipien sicherstellen, dass Ihre Arbeit professionell ist und nicht Amateur, und dass Ihre Stücke Ihre Persönlichkeit ausdrücken und Ihre Botschaft klar an Sie kommunizieren Publikum.
