Μια νεκρή φύση (από τα Ολλανδικά, ακόμα ομοιόμορφο) είναι ένας πίνακας που παρουσιάζει μια διάταξη από άψυχα, καθημερινά αντικείμενα, είτε φυσικά αντικείμενα (λουλούδια, τρόφιμα, κρασί, νεκρά ψάρια και κυνήγι, κ.λπ.) ή βιομηχανοποιημένα είδη (βιβλία, μπουκάλια, σερβίτσια, και τα λοιπά.). ο Γλωσσάρι του Μουσείου Tate το θέτει πολύ συνοπτικά, ορίζοντας το θέμα της νεκρής φύσης ως «κάτι που δεν κινείται ή είναι νεκρό». Στα γαλλικά, η νεκρή φύση ονομάζεται φύση morte, (κυριολεκτικά «νεκρή φύση»).
Μια νεκρή φύση μπορεί να είναι ρεαλιστική ή αφηρημένη, ανάλογα με τη συγκεκριμένη εποχή και τον πολιτισμό στον οποίο δημιουργήθηκε και με το ιδιαίτερο στυλ του καλλιτέχνη. Η νεκρή φύση είναι ένα δημοφιλές είδος γιατί ο καλλιτέχνης έχει τον απόλυτο έλεγχο θέμα του πίνακα, ο φωτισμός και το πλαίσιο. Ο καλλιτέχνης μπορεί να χρησιμοποιήσει τη νεκρή φύση συμβολικά ή αλληγορικά για να εκφράσει μια ιδέα ή τυπικά για να μελετήσει τη σύνθεση και τα στοιχεία και τις αρχές της τέχνης.
Ιστορία
Αν και οι πίνακες αντικειμένων υπήρχαν από την αρχαία Αίγυπτο και την Ελλάδα, η ζωγραφική νεκρής φύσης ως μοναδική μορφή τέχνης προήλθε από τη δυτική τέχνη μετά την Αναγέννηση. Στην αρχαία Αίγυπτο, οι άνθρωποι ζωγράφιζαν αντικείμενα και τρόφιμα σε τάφους και ναούς ως προσφορές στους θεούς και στους νεκρούς για να τα απολαύσουν στη μετά θάνατον ζωή. Αυτοί οι πίνακες ήταν επίπεδες, γραφικές αναπαραστάσεις των θεμάτων τους, τυπικές της αιγυπτιακής ζωγραφικής. Οι αρχαίοι Έλληνες ενσωμάτωσαν επίσης θέματα νεκρής φύσης στα αγγεία, τις τοιχογραφίες και τα ψηφιδωτά τους. Αυτοί οι πίνακες, με ανταύγειες και σκιές, ήταν πιο ρεαλιστικοί από τους Αιγύπτιους, αν και όχι ακριβείς από άποψη προοπτικής.
Η ζωγραφική της νεκρής φύσης έγινε μια από μόνη της μορφή τέχνης τον 16ο αιώνα. Ένας πίνακας ζωγραφικής του Βενετού καλλιτέχνη Jacopo de' Barbari (1440-1516)—τώρα εκτίθεται στο Alte Pinakothek, Μόναχο— θεωρείται από πολλούς ιστορικούς ως η πρώτη αληθινή νεκρή φύση. Ο πίνακας, που ολοκληρώθηκε το 1504, απεικονίζει μια νεκρή πέρδικα και ένα ζευγάρι σιδερένια γάντια ή γάντια.
Σύμφωνα με το ντοκιμαντέρ του BBC "Μήλα, αχλάδια και μπογιά: Πώς να κάνετε ένα σχέδιο νεκρής φύσης (Ζωγραφική)," Το «Καλάθι με φρούτα» του Καραβάτζιο», που ζωγραφίστηκε το 1597, αναγνωρίζεται ως το πρώτο σημαντικό έργο του είδους γουέστερν νεκρής φύσης.
Το απόγειο της ζωγραφικής της νεκρής φύσης ήρθε στην Ολλανδία του 17ου αιώνα. Καλλιτέχνες όπως Γιαν Μπρίγκελ, ο Pieter Clausz και άλλοι ζωγράφισαν πλούσιες, εξαιρετικά λεπτομερείς και ρεαλιστικές εικόνες από ανθοδέσμες και τραπέζια φορτωμένα με πολυτελή μπολ με φρούτα και κυνήγι. Αυτοί οι πίνακες γιόρταζαν τις εποχές και αντανακλούσαν το επιστημονικό ενδιαφέρον της εποχής για τον φυσικό κόσμο. Χρησιμοποίησαν επίσης ως σύμβολα κατάστασης και ήταν ιδιαίτερα περιζήτητα. Πολλοί καλλιτέχνες πούλησαν τα έργα τους μέσω δημοπρασιών.
Συμβολισμός
Παραδοσιακά, πολλά αντικείμενα σε πίνακες νεκρής φύσης επιλέχθηκαν για τη θρησκευτική ή συμβολική τους σημασία, αν και αυτός ο συμβολισμός μερικές φορές διαφεύγει από τους σύγχρονους θεατές. Τα κομμένα λουλούδια ή ένα κομμάτι φρούτου σε αποσύνθεση, για παράδειγμα, συμβόλιζε τη θνησιμότητα. Κρανία, κλεψύδρες, ρολόγια και κεριά προειδοποιούσαν τους θεατές ότι η ζωή είναι σύντομη. Αυτοί οι στοιχειωμένοι από τον θάνατο πίνακες είναι γνωστοί ως memento mori, μια λατινική φράση που σημαίνει «να θυμάσαι ότι πρέπει να πεθάνεις».
Memento mori οι πίνακες ζωγραφικής συνδέονται στενά με νεκρές φύσεις vanitas, που περιλαμβάνουν σύμβολα επίγειων απολαύσεων και υλικών αγαθών —όπως μουσικά όργανα, κρασί και βιβλία— που έχουν μικρή αξία σε σύγκριση με τη δόξα της μετά θάνατον ζωής. Ο όρος vanitas προέρχεται από μια δήλωση στην αρχή του Βιβλίου του Εκκλησιαστή, η οποία εκφράζει τη ματαιότητα της ανθρώπινης δραστηριότητας: «Ματαιότητα των ματαιοτήτων! Όλα είναι ματαιοδοξία».
Αλλά δεν έχουν όλοι οι πίνακες νεκρής φύσης συμβολισμούς. γαλλική γλώσσα Μετα-ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης Paul Cezanne (1839-1906) είναι ίσως ο πιο διάσημος ζωγράφος μήλων απλώς για τη χρήση του χρώματος, του σχήματος και της προοπτικής. του Σεζάν «Νεκρή φύση με μήλα» (1895-98) δεν είναι ζωγραφισμένο ρεαλιστικά σαν να φαίνεται από μια οπτική γωνία. Μάλλον, φαίνεται να αντιπροσωπεύει μια συγχώνευση διαφορετικών απόψεων. Μέσα από την εξερεύνηση των τρόπων αντίληψης, το έργο του Σεζάν λειτούργησε ως πρόδρομος του κυβισμού και της αφαίρεσης.
