Для випадкового спостерігача світ о мистецтво може здатися недосяжним.
Дивлячись на картину, дивлячись балет чи слухаючи класичний концерт, широка публіка і ентузіасти мистецтва відчуватимуть емоційну реакцію, але вони можуть не зрозуміти, як були ці роботи створено.
Багато людей вірять, що талант, удача і геній є відповідальними за створення високого мистецтва. Хоча вони, безсумнівно, відіграють певну роль, це не вся історія. Хоча це може залишитися непоміченим для менш навчених очей, усі мистецтва спираються на спільну основу: принципи проектування, які відрізняються в залежності від дисципліни.
Танцівників навчають виступати в такт зі своїми колегами-виконавцями, щоб вони рухалися як одне ціле. Художники та інші візуальні художники навчитися маніпулювати елементами перспектива, композиція та використання світла чи тіні.
Навчаються класичні музиканти правила гармонії та музична форма; вони вчаться досягати гарної інтонації та рухати тілом таким чином, щоб виробляти потрібний звук.
Тверде розуміння основних принципів дизайну вашого ремесла є важливим, щоб стати витонченим, зрілим художником. Музика о Баха і Бетховен не існувало б без їх повного оволодіння правилами гармонії; Моне і Вермеєр не були б відзначені, якби не їхній повний контроль над перспективою та використання світла у своїх картинах.
У кожному художня дисципліна, знання та повага до основних принципів свого предмета прищеплюються з самих ранніх рівнів і постійно використовуються як основа для досягнення більш просунутих рівнів майстерності.
Цими встановленими користуються як студенти, так і професіонали основні філософії інформувати свою роботу щодня, навіть на найвищих етапах їхньої кар’єри.
У різних видах мистецтва більшість із цих принципів стосуються технічних аспектів того, як ви повинні виконувати а конкретні рухи чи мазки, або де розмістити певний предмет чи ноту, а не до естетики концепції.
Таким чином, їх легко розглядати в жорсткій формі, а не як допоміжну основу. Проте, просуваючись у своєму ремеслі, ви бачите, що кожен художник має свою власну інтерпретацію принципів; це те, що дозволяє кожному твору мистецтва і кожному художнику відрізнятися від іншого.
Засвоюючи технічні питання та постійно вдосконалюючи свою техніку, ви навчитеся маніпулювати правила по-своєму, і це додасть вам сенсу, відмінності та особистого вираження працювати. Бах, Бетховен і всі великі майстри вдосконалювали, а потім перегинали правила; так ви також станете унікальним, незабутнім художником.
Образотворче мистецтво подібне малювання може бути особливо важким, оскільки ви повинні представляти тривимірні елементи на двовимірній поверхні. Але дотримання певних принципів, навіть будучи новачком, допоможе вашому мистецтву бути переконливим і виразним з меншим розчаруванням і зусиллями. Давайте розглянемо деякі основні дизайнерські прийоми які необхідні кожному, хто малює.
Композиція
Композиція — це розташування всіх елементів вашого креслення. Форма, лінія, колір, тон і простір – все це частина цього.
Перш ніж почати малювати, краще зробити попередні ескізи і спланувати те, що ви хочете намалювати. Як тільки ви це зробите, перше, про що вам потрібно подумати для свого малюнка, це форма. З самого початку вам потрібно встановити загальну велику форму (контури) для всього вашого малюнка.
Ви повинні починати працювати над меншими формами окремих об’єктів лише після того, як переконаєтеся, що передали потрібний контур. Спроба спочатку намалювати менші форми призведе до розчарування; вашій роботі не вистачає визначення і вона не буде настільки переконливою, як могла б бути. Іншими словами, ігноруйте деталі, поки не зрозумієте основи!
Лінія це спосіб, яким ви ведете глядача через свою картину.Горизонтальні лінії, як і в пейзажних малюнках, зазвичай передають відчуття спокою; діагональні лінії можуть додати напруги. Загалом, вигини дають набагато більш природне, приємне відчуття, ніж прямі лінії; вони також надають вашому твору гарне відчуття руху, тому він виглядає більш реалістичним.
Колір, звичайно, залежить від того, які кольори ви використовуєте у своїй палітрі. Це також стосується інтенсивності - вам потрібно зробити вибір, як насичений (яскраві) чи тонкі, щоб кольори були, а також чи хочете ви використовувати їх для вираження ідеї світлого чи темного.
Тон, також званий затіненням або «цінністю», безпосередньо пов’язаний з кольором. Ви можете використовувати затінення для створення тіней у своїй роботі (наприклад, тіней, створених сонцем у пейзажі). Це дозволить вашій роботі здаватися тривимірною і дасть глядачеві відчуття глибини.
Щоб ваше мистецтво працювало, ви також повинні подумати про використання простору.
Подумайте про те, скільки простору ви хочете мати між елементами на малюнку (відомо як негативний простір) і скільки місця ви хотіли б заповнити об’єктами на малюнку (позитивний простір). Це буде відрізнятися в залежності від того, який малюнок ви робите.
У західному мистецтві негативний простір часто заповнюється кольором або навіть штрихуванням, але дещо Азіатське мистецтво залишає порожній білий простір самого паперу навколо центрального об’єкта; це також може бути дуже ефективним.
Пам’ятайте одну річ: не розміщуйте однакову кількість негативного простору між кожним елементом у вашому творі – щоб все було цікаво, важливо змінювати форму та розмір негативного простору.
Баланс і єдність
Баланс і єдність вважаються ознаками «добре» звичайне мистецтво. Є кілька золотих правил, перевірених великими художниками, за допомогою яких ви можете знайти баланс у своїх творах.
Але спочатку кілька загальних порад, які допоможуть легше дотримуватися золотих правил. Важливо, щоб у вашому малюнку була головна область інтересів і фокус, щоб глядач знав, на що дивитися, і не відволікався на занадто багато дрібних елементів.
Розмістіть найпомітніший об’єкт у своїй роботі трохи не по центру, щоб забезпечити приємний потік для глядача, і переконайтеся, що він звернений на малюнок, а не за межі зображення.
Не розрізайте картину навпіл, вертикально чи горизонтально, оскільки це може виглядати менш реалістично. Якщо ви використовуєте лінію горизонту у своїй роботі, переконайтеся, що вона не знаходиться в центрі зображення він або високий, або низький, щоб показувати більше «неба» або більше «землі», залежно від того, хто ви малювання.
А тепер, золоті правила.Перше золоте правило - це правило третин, і це насправді пов’язано із самою золотою серединою. Золота середина, або золотий перетин, протягом століть керувала класичними художниками. У ньому сказано, що елементи ілюстрації повинні бути розміщені так, щоб кожен елемент був у пропорції від 1 до 1,618 (приблизно від 3 до 5) по відношенню до будь-якого іншого елемента. Правило третин є спрощеною версією золота середина.
Щоб слідувати йому, розділіть свій малюнок на сітку з 3 стовпців і рядків, усі однакові за розміром. Розмістіть основний об’єкт і менші цікаві ділянки біля однієї з ліній на сітці і, якщо можете, спробуйте розмістити їх на перетині рядків і стовпців сітки. Це дозволить легко створити ідеальний баланс у вашому малюнку, оскільки змусить вас уникати розміщення важливих елементів у місцях, які візуально розрізають шматок навпіл, зупиняючи очі глядача.
Як і правило третин, правило шансів також базується на непарних числах. Щоб отримати реалістичний малюнок, у вашому творі має бути непарна кількість предметів, наприклад 1 або 3, а не парне число. Якщо у вас є лише один головний фокус, розставте навколо нього парну кількість предметів; таким чином ви отримаєте непарну кількість елементів у вашій роботі, що, як правило, приємніше для ока. Як і попереднє правило, правило третіх допомагає уникнути скорочення роботи безпосередньо по центру.
Щоб уніфікувати вашу роботу, повторення деяких елементів є ключовим. Наприклад, ви можете вибрати символ або мотив і повторити його в певних областях вашого малюнка, можливо, іншим кольором або меншим розміром. Це створює шаблон у вашому творі та допомагає глядачеві зрозуміти його. Однак важливо не зловживати цим, оскільки ви також хочете внести різноманітність у свою роботу.
Перспектива
Розвиваюча перспектива - це а фундаментальні навики в мистецтві, і це те, що надає вашій роботі відчуття глибини та відстані. У малюванні перспектива передбачає, що об’єкти зменшуються, коли вони рухаються до фону зображення, тоді як більші об’єкти знаходяться на передньому плані (передній) зображення.
Лінійний і повітряна перспектива обидва важливі для художників. Лінійна перспектива можна розділити на перспективу з 1, 2 або 3 точками. 1-точкова перспектива – найпростіший початок. Щоб використовувати його, вам потрібен лише вид і фіксована точка.
Якщо ви малюєте церкву, ваш погляд буде тим, що ви бачите перед собою з прямою головою, а фіксованою точкою може бути будь-яка, яку ви виберете, як статуя перед собою. Ви спрямуєте очі глядача на статую за допомогою двох речей: точка зникнення, і лінія горизонту. Точкою зникнення може бути будь-яка точка на відстані, на яку природно зупиняються ваші погляди в церкві, це може бути точка на дальній стіні.
Ваша точка зникнення включена в лінію горизонту, яка являє собою довгу, плоску горизонтальну лінію неба (або землі, коли ви перебуваєте в приміщенні), яка простягається ліворуч і праворуч від вашого малюнка і навіть за межами вашого зображення. Перспектива — досить складний інструмент і приймає багато різних форм, але це основи встановлення одноточкової перспективи, яка надає вимір і природний вигляд вашій роботі.
Основні елементи малювання — композиція, баланс, єдність і перспектива — є в усіх видах мистецтва. Хоча танцюристи та музиканти матимуть різні визначення та підходи до цих елементів, ніж візуальні художники, вони утворюють спільне ядро між усіма мистецькими дисциплінами.
Якою б не була ваша сфера діяльності, дотримання цих фундаментальних принципів гарантує, що ваша робота буде професійною, а не професійною аматорські, а ваші твори виражають вашу індивідуальність і чітко передають ваше повідомлення аудиторії.
