Per l'osservatore casuale, il mondo di le arti può sembrare inavvicinabile.
Quando si guarda un dipinto, si guarda un balletto o si ascolta un concerto di musica classica, il pubblico in generale e gli appassionati d'arte avranno una risposta emotiva, ma potrebbero non capire come fossero queste opere creato.
Molte persone credono che il talento, la fortuna e il genio siano responsabili della creazione dell'arte alta. Sebbene questi giochino sicuramente una parte, non sono l'intera storia. Sebbene possa passare inosservato agli occhi meno allenati, tutte le arti sono sostenute da un fondamento comune: principi di progettazione, che variano a seconda della disciplina.
Ai ballerini viene insegnato ad esibirsi a tempo con i loro compagni artisti, in modo che si muovano come una sola unità. Pittori e altro artisti visivi imparare a manipolare elementi di prospettiva, composizione e uso della luce o dell'ombra.
I musicisti classici studiano regole di armonia e forma musicale; imparano come ottenere una buona intonazione e muovere i loro corpi in modi che producono il suono desiderato.
Una solida comprensione dei principi di progettazione alla base della tua arte è essenziale per diventare un artista sofisticato e maturo. La musica di Bach e Beethoven non esisterebbero senza la loro totale padronanza delle regole dell'armonia; Monet e Vermeer non sarebbero celebrati se non fosse per il loro completo controllo della prospettiva e l'uso della luce nei loro dipinti.
In ogni disciplina artistica, la conoscenza e il rispetto per i principi fondamentali della propria materia vengono instillati fin dai primi livelli e vengono continuamente utilizzati come base per costruire livelli di padronanza più avanzati.
Sia gli studenti che i professionisti utilizzano questi strumenti stabiliti filosofie fondamentali informare quotidianamente il proprio lavoro, anche nelle fasi più alte della propria carriera.
Attraverso le forme d'arte, la maggior parte di questi principi si riferiscono ad aspetti tecnici di come dovresti eseguire un particolare movimento o pennellata, o dove collocare un particolare soggetto o nota, piuttosto che all'estetica concetti.
Pertanto, è facile vederli in modo rigido, piuttosto che come una struttura di supporto. Tuttavia, mentre avanzi nel tuo mestiere, vedi che ogni artista ha la sua interpretazione dei principi; questo è ciò che permette ad ogni opera e ad ogni artista di essere diverso dall'altro.
Nel padroneggiare le questioni tecniche e nel perfezionare continuamente la tua tecnica, imparerai a manipolare il regole a modo tuo, e questo darà significato, distintività ed espressione personale al tuo opera. Bach, Beethoven e tutti i grandi maestri perfezionarono e poi piegarono le regole; è così che diventerai anche tu un artista unico e memorabile.
Arti visive come il disegno può essere particolarmente difficile, dal momento che devi rappresentare elementi tridimensionali su una superficie bidimensionale. Ma seguire determinati principi, anche da principiante, aiuterà la tua arte a essere convincente ed espressiva con meno frustrazione e sforzo. Diamo un'occhiata ad alcuni dei fondamentali tecniche di progettazione indispensabili per chi disegna.
Composizione
Composizione è il layout di tutti gli elementi nel disegno. Forma, linea, colore, tono e spazio fanno tutti parte di questo.
Prima di iniziare a disegnare, è meglio fare schizzi preliminari e pianificare cosa vuoi disegnare. Una volta fatto questo, la prima cosa a cui devi pensare per il tuo disegno è la forma. Fin dall'inizio, devi stabilire la forma grande complessiva (contorni) per l'intero disegno.
Dovresti iniziare a lavorare sulle forme più piccole dei singoli oggetti solo dopo che sei soddisfatto di aver trasmesso il contorno che desideri. Cercare di disegnare prima le forme più piccole porterà solo alla frustrazione; il tuo lavoro mancherà di definizione e non sarà convincente come potrebbe essere. In altre parole, ignora i dettagli finché non ottieni le basi giuste!
Linea è il modo in cui guidi uno spettatore attraverso il tuo dipinto.Linee orizzontali, come quelli nei disegni di paesaggi, di solito trasmettono una sensazione di pace; le linee diagonali possono aggiungere tensione. In generale, le curve danno una sensazione molto più naturale e piacevole rispetto alle linee rette; danno anche al tuo pezzo un buon senso di movimento, quindi sembra più realistico.
Il colore, ovviamente, ha a che fare con i colori che usi nella tua tavolozza. Riguarda anche l'intensità: devi fare una scelta su come saturato (vivi) o tenui se vuoi che i colori siano e se vuoi usarli per esprimere l'idea di luce o oscurità.
Il tono, chiamato anche ombreggiatura o "valore", è direttamente correlato al colore. Puoi usare l'ombreggiatura per creare ombre nel tuo lavoro (come le ombre create dal sole in un paesaggio, ad esempio). Ciò consentirà al tuo lavoro di sembrare tridimensionale e darà allo spettatore un senso di profondità.
Affinché la tua arte funzioni, devi considerare anche l'uso dello spazio.
Pensa a quanto spazio vorresti tra gli elementi nel tuo disegno (noto come spazio negativo) e quanto spazio desideri riempire con gli oggetti nel tuo disegno (spazio positivo). Questo varierà a seconda del tipo di disegno che stai facendo.
Nell'arte occidentale, lo spazio negativo è spesso riempito di colore o addirittura di sfumature, ma alcuni arte asiatica lascia lo spazio bianco e bianco della carta stessa intorno all'oggetto centrale; anche questo può essere molto efficace.
Una cosa da ricordare, non mettere la stessa quantità di spazio negativo tra ogni elemento nel tuo pezzo: per mantenere le cose interessanti, è importante variare la forma e le dimensioni dello spazio negativo.
Equilibrio e unità
Equilibrio e unità sono considerati i tratti distintivi del "buono" arte convenzionale. Ci sono alcune regole d'oro, tutte collaudate dai grandi artisti, che puoi usare per trovare equilibrio nei tuoi pezzi.
Ma prima, alcuni suggerimenti generali che ti aiuteranno a seguire più facilmente le regole d'oro. È importante che ci sia un'area principale di interesse e focus nel tuo disegno, in modo che lo spettatore sappia cosa guardare e non sia distratto da troppi piccoli elementi.
Posiziona il tuo soggetto più importante leggermente fuori centro nel tuo lavoro per dare un bel flusso per lo spettatore e assicurati che sia rivolto verso il disegno, non fuori dalla tua immagine.
Assicurati di non tagliare il dipinto direttamente a metà, né verticalmente né orizzontalmente, poiché potrebbe sembrare meno realistico. Se stai usando una linea dell'orizzonte nel tuo lavoro, assicurati che non sia al centro dell'immagine: posizionala è alto o basso in modo che mostri più "cielo" o più "suolo", a seconda di cosa stai disegno.
E ora, il regole d'oro.La prima regola d'oro è la regole di terzi, ed è in realtà correlato alla stessa media aurea. La media aurea, o rapporto aureo, ha guidato per secoli gli artisti classici. Afferma che gli elementi di un'opera d'arte dovrebbero essere posizionati in modo che ogni elemento sia in una proporzione da 1 a 1,618 (circa da 3 a 5) in relazione a qualsiasi altro elemento. La regola dei terzi è una versione semplificata della mezzo d'oro.
Per seguirlo, dividi il tuo disegno in una griglia di 3 colonne e righe, tutte di dimensioni uguali. Posiziona il soggetto principale e le aree di interesse più piccole vicino a una delle linee sulla griglia e, se puoi, mira a posizionarle all'intersezione delle righe e delle colonne della griglia. Questo creerà facilmente un equilibrio ideale nel tuo disegno, poiché ti costringe a evitare di mettere elementi importanti in aree che taglierebbero visivamente il pezzo a metà, fermando gli occhi dello spettatore.
Come la regola dei terzi, il regola delle probabilità si basa anche su numeri dispari. Per ottenere un disegno realistico, dovresti avere un numero dispari di soggetti nel tuo pezzo, come 1 o 3, piuttosto che un numero pari. Se hai un solo punto focale principale, metterci intorno un numero pari di oggetti; in questo modo, ti ritroverai con un numero dispari di elementi nel tuo lavoro, che è generalmente più piacevole alla vista. Come con la regola precedente, la regola dei terzi ti aiuta a evitare di tagliare il tuo lavoro direttamente al centro.
Per unificare il tuo lavoro, la ripetizione di alcuni elementi è fondamentale. Ad esempio, potresti scegliere un simbolo o un motivo e ripeterlo in determinate aree del tuo disegno, magari in un colore diverso o in una dimensione più piccola. Questo stabilisce uno schema nel tuo pezzo e lo aiuta a dare un senso allo spettatore. È importante non abusarne, però, perché vuoi avere varietà anche nel tuo lavoro.
Prospettiva
Lo sviluppo della prospettiva è un abilità fondamentale nell'arte, ed è ciò che dà al tuo lavoro un senso di profondità e distanza. Nel disegno, la prospettiva sostiene che gli oggetti si rimpiccioliscono man mano che si avvicinano allo sfondo di un'immagine, mentre gli oggetti più grandi sono in primo piano (anteriore) dell'immagine.
lineare e prospettiva aerea sono entrambi importanti per gli artisti. Prospettiva lineare può essere diviso in prospettiva a 1 punto, 2 punti o 3 punti. La prospettiva a 1 punto è il punto di partenza più semplice. Per usarlo, hai solo bisogno di una vista e di un punto fisso.
Se stai disegnando una chiesa, la tua visuale sarà quella che vedi davanti a te con la testa dritta, e il punto fisso può essere quello che scegli, come una statua davanti a te. Dirigerai gli occhi dello spettatore verso la statua attraverso l'uso di due cose: un punto di fuga, e una linea dell'orizzonte. Il punto di fuga può essere qualsiasi punto in lontananza su cui i tuoi occhi si posano naturalmente in una chiesa, potrebbe essere un punto su un muro lontano.
Il tuo punto di fuga è incorporato nella linea dell'orizzonte, che è una linea orizzontale lunga e piatta del cielo (o del suolo, quando sei al chiuso) che si estenderà a sinistra e a destra del tuo disegno e anche fuori dalla tua immagine. La prospettiva è uno strumento piuttosto complesso e assume molte forme diverse, ma queste sono le basi per stabilire una prospettiva a un punto, che conferisce dimensione e un aspetto naturale al tuo lavoro.
Gli elementi essenziali di composizione, equilibrio, unità e prospettiva si trovano in tutte le forme d'arte. Sebbene ballerini e musicisti abbiano definizioni e approcci diversi a questi elementi rispetto agli artisti visivi, formano un nucleo comune tra tutte le discipline artistiche.
Qualunque sia il tuo campo, seguire questi principi fondamentali farà in modo che il tuo lavoro sia professionale, non amatoriale, e che i tuoi pezzi esprimano la tua personalità e comunichino chiaramente il tuo messaggio a te pubblico.
